Siete Artes

La Puerta de Alcalá (Sabatini, 1778)

2008-02-25T11:55:00.025+01:00

Este monumento madrileño es uno de los emblemas de la capital de España. Se ubica en pleno centro de la ciudad, en la Plaza de la Independencia y cerca de la entrada principal del Parque del Retiro. En la actualidad, la percibimos como un elemento aislado, pero esto no era así en una época en la que todas las grandes ciudades disponían de murallas, es decir, la puerta no estaba exenta, pertenecía a una muralla que ya bien empezado el siglo XIX aún continuaba en pie. Históricamente, era lo que se conocía como una puerta real. Había cinco puertas reales además de doce portillos. Ésta puerta servía de entrada al camino real de Aragón y Cataluña.

El monarca Carlos III, tras ver varios proyectos, encargó finalmente su construcción a Francisco Sabatini, que comenzó la obra en 1774 y la acabó en 1778.

Estructura

Arquitectónicamente, se puede englobar dentro del estilo del neoclasicismo. Se usaron como materiales de construcción piedra caliza blanca de Colmenar (Madrid), granito gris y un fondo de piedra barroqueña, que tiene una altura de 195 cm.

Responde en esencia a una imitación de un arco del triunfo romano, y como tal, se compone de un sólo cuerpo con cinco huecos. Los dos extremos son adintelados y los tres centrales abovedados con un arco de medio punto, el arco central es igual por ambas caras, pero en los demás en lo que sería la parte exterior de la ciudad se colocaron columnas de orden jónico, tenemos un total de diez columnas. En la parte interior estas columnas se sustituyen por pilastras. Hay una cornisa sobre los capiteles que recorre todo el edificio y sobre el arco central un frontispicio de forma circular, en el cual se sitúa mirando al exterior un gran escudo de armas. Sobre este frontispicio y a ambos lados se sitúa la placa con la inscripción latina: "REGE CAROLO III, ANNO MDCLXXVIII ".

Los adornos fueron esculpidos por distintos artistas. Las figuras de niños y trofeos militares colocados en el sotabanco, además del escudo de armas, fueron realizadas por Francisco Gutiérrez. Las cabezas de leones y las cornucopias que adornan los laterales son obra de Roberto Michel.

Curiosidades

El objetivo de dicho monumento era conmemorar y recordar la entrada del rey a Madrid. Se hace necesario decir que La puerta de Alcalá responde a un capricho del monarca, si se puede decir así. Existía una puerta anterior en ese mismo lugar que estaba dedicada a Margarita de Austria, esposa de Felipe III, pero cuando Carlos III llegó a la ciudad y pasó por dicha puerta no fue de su agrado. El monarca desaba un monumento más grandioso y mandó derribarla en 1764, y más tarde mandó construir la que conservamos en la actualidad y que ha sido y sigue siendo testigo de cuanto sucede en la ciudad.

Fuentes:

FERNÁNDEZ, A. BARNECHA,E. HARO, J. Historia del arte. Vicen vives, 1998
AYUNTAMIENTO DE MADRID. Folleto turístico
http://turismadrid.free.fr/puertaalcala.htm el 24.02.08
http://www.arteespana.com/puerta/puertaalcala.htm el 24.02.08 (23:10)
http://www.turismomadrid.es/ESPA/CULT/pagina/CULTMonumentosPuertaAlcala.htm el 25.02.08 (00:15)

M. C. Escher

2008-02-25T01:51:00.019+01:00

Maurits Cornelis Escher (1898-1972) es uno de los artistas del siglo XX más admirado por el gran público. Su nombre en la actualidad aún pasa desapercibido, pese a que la gran mayoría de los usuarios de la mensajería electrónica hayan recibido alguna vez un documento multimedia con las obras de este artista. Pues bien, es el momento de hacer honor al don de Escher y por fin identificar sus obras.

La relatividad (1953) es una de sus obras más conocidas e influyó en el rodaje de la película El laberinto de Jim Henson (1986).

M.C. Escher nació el 17 de junio de 1898 en Leenwarden (Holanda), era hijo de un ingeniero hidráulico. No fue precisamente un estudiante muy brillante, por ello repitió dos veces. La única asignatura que le estimulaba era Dibujo. Su profesor F.W. van der Haagen le enseñó la técnica de los grabados en linóleo y fue una gran influencia para Escher.

Bajo presión paterna, Escher comenzó a estudiar en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, pero no tardó en abandonar sus estudios para adentrarse en el aprendizaje de la técnica del grabado en madera o xilografía de Samuel Jesserun de Mesquita, su maestro y máxima influencia.

Entre 1922 y 1935 se trasladó a Italia, en principio de vacaciones, pero después acabaría residiendo en Roma una larga temporada. De Italia le gustaban el clima y los paisajes. En 1924 en un viaje conoció a Jetta Umiker, quien se convertiría en su futura mujer y con quien tendría tres hijos.

Pero debido al tenso clima político que se avecinaba, Escher tuvo que abandonar Italia. En este período de su vida no tuvo una residencia estable, sino que viajó por varios lugares que no le inspirarían nada, como Suiza. Volvería a Italia esporádicamente, visitó Bélgica y también España, concretamente Granada y Córdoba, ciudades cuya belleza le dejaron asombrado. Tal fue así, que tanto la Mezquita de Córdoba como la Alhambra de Granada se reflejarán más tarde en sus trabajos relacionados con la partición regular del plano.

En 1941, huyendo de la 2ª Guerra Mundial, se muda a Baarn (Holanda). Allí viviría junto a su esposa y sus hijos. Hasta 1951 no se dedicó al comercio de sus grabados, había estado dependiendo económicamente de sus padres. Pero su lanzamiento al mercado fue bastante fructífero. Generalmente hacía copias de litografías y grabados por encargo, aunque también diseñó sellos, portadas de libros y algunas esculturas.

Debido al constante mal tiempo de Holanda, Escher deja de lado los grabados de paisajes y se centra más en su propia mente. Es un período en que su producción es muy regular. Es el comienzo del estudio geométrico y matemático que hace Escher para realizar sus obras.

Day and night (1938)

Entre 1955 y 1962, Escher realizará sus trabajos más complejos y minuciosos, en los que figuran las arquitecturas imposibles. Tras el año 1962, sufrió una operación que debilitará su salud y en consecuencia disminuirá su producción. En 1972, Escher fallece en el norte de Holanda.

Belvedere (1958), una clara muestra de las Arquitecturas Imposibles.

A lo largo de su vida, Escher realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y unos 2.000 dibujos y borradores, pero acabó destruyendo algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de sus originales. Después de su muerte, muchas de sus obras fueron vendidas masivamente y esparcidas por el mundo, aunque queda un grupo importante expuesto en el Museo Escher en La Haya, Holanda.

Escher: un artista diferente

La gran mayoría de expertos y críticos coinciden en que Escher resulta difícil de clasificar dentro de los movimientos artísticos. No pretende transmitir mensajes ni sentimientos, no le interesaba mucho la realidad ni la humanidad, sino que prefería plasmar situaciones, juegos visuales y guiños al espectador, todo aquello que pasaba por su imaginación y creía digno de mostrar al público. Según expertos, la obra de Escher se caracteriza por su dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría y el infinito frente a lo limitado.

Los críticos también dicen que “es el artista que mejor ha reflejado gráficamente el pensamiento matemático moderno”, “aún sin ser matemático, sus obras muestran un interés y una profunda comprensión de los conceptos geométricos”.

Fuentes:

Exposición "M. C. Escher. El arte de lo imposible". Centro de Arte Canal (Madrid), 15 diciembre a 4 marzo de 2007.
http://personal.telefonica.terra.es/web/jack/escher/escher.htm el 24. 02. 08 (12:29)
http://www.uv.es/buso/escher/escher.html el 24. 02. 08 (12:32)
http://www.microsiervos.com/archivo/diseno/biografia-mc-escher.html el 24. 02. 08 (12:35)
http://www.mcescher.com/ el 24. 02. 08 (17:12)
http://sospechosos-habituales.blogspot.com/2005/11/mc-escher.html el 24. 02. 08 (17:15)

Orson Wells (1915-1985)

2008-02-24T20:06:00.063+01:00

Intentaremos en unas pocas líneas decir quién fue Orson Wells. Sólo con oír su nombre nos viene a la cabeza "Ciudadano Kane" o "La guerra de los mundos". Quizá nos olvidamos del gran maestro indiscutible que fue para los medios de comunicación, pero puede decirse que su vida estuvo dedicada a ellos, teatro, radio, televisión, etc.

Fue director, actor, guionista y productor. Podemos considerarlo un genio del cine. Fue uno de los mayores impulsores del Séptimo Arte y todo lo que este conlleva. Esto hizo que fuera un pionero en la estética del cine y sus recursos narrativos. Se atrevió a innovar y renovar conceptos, nos dejó un legado de películas imaginativas y llenas de fuerza. Además llego a ser un personaje muy influyente en su tiempo.

Inicios:

La primera aproximación de Wells al mundo del espectáculo fue como actor de teatro. En 1918 debuto en una representación de "Sansón y Dalila" en la ópera de Chicago. A los 10 años de edad adaptó, dirigió e interpretó él mismo "Doctor Jekyll y Mr. Hyde" en un camping de Indianola, además de "Scoorge" de Dickens en la Washington Grade school de Madison. Por supuesto hizo méritos para ser considerado un adolescente prodigio. Tras graduarse, trabaja como actor y en la puesta de escena de algunos espectáculos de las compañías Dublin Gate Theatre y Abbey Theatre en Irlanda.

Cuando en 1933 regresa a Estados Unidos es ya un magnífico intérprete que manifiesta su carácter inconformista y que no quiere limitarse a actuar. Empieza a trabajar en distintos ámbitos artísticos al mismo tiempo: dirige espectáculos contratado por la actriz Katharine Cornell; trabaja por primera vez en la radio, en la emisora CBS donde hace una adaptación de relatos literarios e históricos para The American School of the Air ; publica junto con Roger Hill Everybody´s Shakespeare, libros de teatro en los que versiones de dramas de Shakespeare se acompañan de ensayos de sus actores e ilustraciones originales de Wells. En su primer reto con el cine dirige el cortometraje de 5 minutos "The Hearts of Age" (1934).

En los cinco años siguientes sus actividades se centran en el teatro. En 1936 el productor Jonh Houseman le deja participar en el Federal Theatre y realiza allí: una versión de Macbeth sólo con actores negros o caracterizados como tal, Un sombrero de paja de Italia y Doctor Fausto. Los primeros problemas surgen cuando Wells y Houseman invitan al público a asistir a la lectura dramática del musical "The Cardle Will Rock" que el gobierno habia prohibido por razones políticas, obviamente se ven obligados a abandonar el Federal Theatre y en 1937 crean el Mercury Theatre con el que wells monta cincuenta espectáculos en dos años. Al mismo tiempo sigue participando en adaptaciones radiofónicas para la CBS llamadas Mercury Theatre on the Air. Dentro de esta serie se enmarca la famosa trasmisión de "La guerra de los mundos" en 1938.

Algo diferente

Ya en esta primera etapa Wells nos deja claro que no va a seguir las normas de los demás. Sus espectáculos son innovadores y distintos. Unen lo popular con lo considerado superior. En lo teatral cambia y corta los diálogos que no le gustan e innova con efectos sonoros y de luces en su puesta en escena. En la radio utiliza por primera vez la trasmisión en primera persona, siendo precursor del recurso de la voz en off.

El cine

En 1939 se traslada a Hollywood y firma un contrato con la productora cinematográfica RKO. Esta productora no es de las más grandes en ese momento, pero sí la más creativa, y le concede a Wells libertad total a la hora de hacer sus películas. Por su parte, éste ya tenía en mente una revolucionaria manera de rodaje.

Tras barajar varias posibilidades, su debut se realiza finalmente con "Ciudadano Kane" (1941). Cuenta el ascenso y caída Charles Foster Kane, un magnate de la prensa interpretado por el propio Kane. Destaca su compleja realización técnica, lo novedoso de su montaje y su distinta puesta en escena. La película es recordada por su fracaso en taquilla debido a la mala campaña de distribución que tuvo. A pesar de lo cual recibió nueve nominaciones a los oscars. Su segunda película con RKO fue "El cuarto mandamiento". El resultado fue estupendo a pesar de los cortes que la productora introdujo sin el conocimiento de Wells. Su nuevo fracaso en taquilla motivó la salida de Wells de la productora. Cabe decir que Wells relego el rodaje de esta película a un segundo equipo ya que estaba también participando como actor y productor en "Estambul" (1942) y otras colaboraciones en películas como "Alma Rebelde" (1944) y "Duelo al Sol" (1946) .

Sigue con su trabajo en la radio para la CBS y colaborando como periodista y conferenciante político cuando hace su tercera película como director: "The stranger" (1946). En ella se narra la búsqueda y el intento de identificar a un criminal de guerra nazi. Wells trabaja junto al productor San Spiegel y la única libertad que se le concede es en el campo de la imagen, por lo que muchas de sus ideas son rechazadas.

La siguiente será "la Dama de Shangay" (1948), película que Wells aceptará dirigir para financiar un préstamo hecho por el presidente de Columbia, y que parece brindarle una nueva oportunidad. Los productores no dejan al realizador la libertad que el desearía para dar verosimilitud a la historia, aún así éste se apoya en los diálogos para reflejarlo. A estas alturas Orson Wells está ya bastante desencantado de la exigencias de Hollywood. Como reconocido admirador de Shakespeare se propone realizar una trilogía sobre sus obras que empieza con "Macbeth" (1948). El fracaso comercial de esta película hace que emigre a Europa.

Europa

En nuestro continente rodaría películas y trabajaría como actor en numerosas producciones. Su objetivo es conseguir fondos para autofinanciar sus produccuiones. En su etapa europea destacan títulos como: "El Tercer Hombre" (1949); la segunda parte de su trílogia Shakesperiana: "Otelo" (1952) que se realizó en Italia y con la que ganó el festival de Cannes; o "Mr. Arkain" (1955) rodada con financiación española, película en la que un millonario contrata a un aventurero para que investigue sobre su pasado y que recuerda en su concepción a "Ciudadano Kane", pero no tuvo el éxito de su antecesora.

Tras diez años lejos de Hollywood y después de algunos trabajos para la televisión, su regreso se presenta con "Sed de mal" (1958). La historia se centra en la confrontación personal de dos policías, uno mexicano y otro estadounidense. La mano de Wells hace que se aprecie la tensión racial existente y posibilita la realización de planos impensables para otros con su indudable maestría. A pesar de la intervención de la productura Universal nos queda la excelente elaboración de planos y ritmo con la que Wells dota a la cinta.

A pesar de este gran acierto Wells, vuelve a trabajar en Europa donde comenzará su proyecto inconcluso de "Don quijote" (1955-1972). Otro de sus proyectos encargado por el productor Michael Salkin es "El Proceso" (1961), adaptación de una obra de Frank Kafka. Algo falla en esta película que, sin dejar de ser fiel al espíritu de su director, no tiene la fuerza de otras de sus creaciones. Entre tanto, Wells colaboraría como actor en otras tantas producciones como "Impulso criminal" (1959).

La culminación de su triología sobre Shakespeare es la película "Campanadas a medtianoche" (1965). Es un proyecto muy personal y logrado, cuyo guión esta basado en diversas obras del dramaturgo inglés. Se cree que en ella refleja a través del personaje principal su propio fracaso como hombre y cineasta. Posteriormente rueda para la televisón fracesa "Una historia inmortal" (1968). Los críticos dicen que se puede apreciar la perfección en esta película.

Reconocimiento

Como suele pasar con los grandes géneros, esta etapa de grandeza le llega a Orson Wells al final de su vida. Su grandeza es apreciada por todo el mundo y se suceden los homenajes y premios: el Film American Institute le concede un prestigioso premio a toda su carrera. Se solicita su colaboración en universidades y la presencia de su voz o su aparición en pequeños y grandes proyectos. Aún así los productores no parecen estar deacuerdo y le niengan la posibilidad de volver a estar tras la cámara, a pesar de lo cual no deja de escribir guiones y proyectos.

Nos quedan de esta época dos obras que logró llevar a término: "Fraude" (1973) y "Filming Othello" (1977). Éstos no son ficción narrativa sino ensayos cinematográficos en los que reflexiona sobre el oficio en el Séptimo Arte.

Es posible que la tosca obsesión de Wells por la perfección en todo lo que hacía haya echo que no finalizara la mayoría de sus proyectos. Esto se une a su mala suete y a la incomprensión por parte de los productores de Hollywood, que quizás no supieron apreciar a quien hacia algo diferente. Por suerte Wells no dio su brazo a torcer y aunque, no todo lo extenso que podría haber sido, conservamos algo de su arte.

Fuentes:

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article251.html el 24.02.08
Colección Grandes Directores, El País.

La Magdalena penitente (Pedro de Mena,1663-1664)

2008-02-24T00:27:00.047+01:00

La Magdalena penitente es un claro ejemplo del lenguaje realista y lleno de emoción utilizado en la escultura religiosa española.

Esta magnifíca talla responde a un encargo que Pedro de Mena para la Casa Profesa de los jesuitas e Madrid, en uno de sus viajes a esta ciudad, la terminó ya en su taller de Málaga en 1664. Se aprecia en ella Influencia Castellana y se cree que está inspirada en otra Magalena que se encontraba en Las Descalzas reales de Madrid atribuída a Gregorio Fernández y anterior a la visita de Mena a Madrid.

El tema de la Magdalena penitente se utiliza como representación del arrepentimiento de los fieles cristianos, no es muy habitual en la época, ni en la escuela andaluza, siendo nuestro escultor uno de los pocos que lo trato, por eso no existen muchas esculturas de este tipo; sólo alguna replicas parecidas datadas posteriormente en Castilla. No existe ninguna en Andalucía donde el tema no tuvo mucho eco, excepto una replica labrada por el propio Pedro de Mena en 1667. Ésta era de pequeño tamaño y ha desaparecido en la actualidad.

Detalles de la obra

Pedro de Mena nos presenta una talla realizada en madera. Mide unos 165 cm, representada de pie, lo que es habitual en el escultor andaluz. Utiliza el patetismo, apreciado claramente en esta obra. Como puede verse es una escultura llena de sencillez contrastada por la cantidad de detalles que tiene, lo que ayuda a plasmar en ella un gran realismo que no pasa inadvertido. En esta obra, se presenta a una Magdalena de figura juvenil en la que se pueden apreciar perfiles hebreos. En oposición, el hábito de la Santa es rígido y de una áspera palma que oculta sus formas femeninas.

Es su sencillez y austeridaz lo que primero llama la atención. A pesar de tratarse de una escultura en coloreada, se aprecia una policromía suave y sobria basada en ocres, marrones y rojizos. Carece de demasiados tonos oscuros, para que ese poco contraste nos permita captar mejor el dramatismo presente en la obra. Esto hace que dirijamos toda nuestra atención al foco de mayor expresividad de la figura: su rostro.

El óvalo afilado, bello y de faciones grandes deja apreciar con claridad una mirada triste de ojos enrojecidos por las lágrimas. Además, la boca entreabierta y seca completan un gesto abrumado y de claro dolor que muestra todo su arrepentimiento. Su larga cabellera humedecida enmarca el rostro y cae por todo su cuerpo ayudando a resaltar aún más la sensación de pesadumbre que trasmite la obra, ya que parecen llevar su llanto hasta el suelo.

Las manos están modeladas de manera sencilla y elegante. Sujeta con fuerza en su mano izquierda un crucifijo, que contempla con gran pena y un asombro místico. Esta mirada parece transportarla lejos de lo terrenal haciendola estar más cerca de Dios. Con la mano derecha se oprime el corazón, evitando que se desborde, lo que indica su amor y devoción por Jesucristo.

El movimiento está presente en la obra plasmado en el detalle de su pie izquierdo que parece dar un paso y avanzar. Sin embargo, contrasta con el gesto y el resto del cuerpo que indican lo contrario.

Pedro de Mena

El artista nace en Granada en 1628, es hijo del también escultor Alonso de Mena. Cuando Pedro tiene 18 años su padre fallece legándole su taller. En Granada, Alonso Cano se fija en el talento del joven escultor y le propone que colaboren juntos. Esto benefició a Mena que, impresionado por la maestría de Cano, adquirió un aprendizaje que posibilitaría su gran desarrollo artístico. Aunque Cano introdujo a su pupilo en el mundo de la gran escultura, Pero de Mena pronto se diferenciaría de su maestro debido principalmente a sus diferectes carácteres.

Mena era un hombre muy religioso y devoto que se movía en círculos amistosos con obispos y clérigos. Destaca por esculpir figuras aisladas y no pasos procesionales como era habitual en los escultores religiosos de la época. Su seriedad y orden en el trabajo se reflejan en su obra. La clave de su éxito es que, sin ser su escultura muy imaginativa, supo plasmar en ella sentimientos y emociones de manera sencilla y llena de verosimilitud. El realismo sin estridencias acentuado por el patetismo son una constante en su obra. En ella nos muestra claramente la mesura y elegancia de la escuela andaluza a la que pertenece. Usa vidrio para ojos y lágrimas y su policromia no es nunca disonante siempre ajustada dentro de una gama que refuerza la sencillez de sus esculturas.

Recibe como primer encargo el coro de la Catedral de Málaga, y a esta ciudad se traslada estableciendo allí su taller. En uno de sus viajes a la corte recibe el encargo de San Francisco para la catedral de Toledo y La Magdalena penitente, siendo éstas sus obras más importantes. También podemos citar otras obras destinadas a la función de imaginería barroca como: San Diego de Alcalá, San Antonio y el Niño, San Pedro de Alcántara u otras tantas esculturas de santos jesuítas e Imaculadas.

Fuentes:

FERNÁNDEZ, A. BARNECHA,E. HARO, J. Historia del arte. Vicen vives, 1998
Enciclopedia temática Planeta
http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/4771.htm el 23.o2.08 (11:23)
http://arte.observatorio.info/2007/12/maria-magdalena-pedro-de-mena el 23.02.08 (12:10)
http://www.museodelprado.es/es/pagina-principal/coleccion/galeria-on-line/galeria-on-line/obra/magdalena-penitente-2/ el 24.02.08 (10:45)
http://museoescultura.mcu.es/coleccion/obras/mena.html el 24.02.08 (11:20)

Maravillas de la Ingeniería

2008-02-22T02:00:00.017+01:00

Después de hacer un recorrido por las Maravillas del Mundo Antiguo saltamos a la Edad Contemporánea, a las Maravillas de la Ingeniería del siglo XXI (y finales del XX). Las tecnologías modernas de construcción han permitido la creación de obras espectaculares en todo el mundo. Algunas de ellas las citamos a continuación:

El Ascensor Bailong

Está situado en Zhangjiajie, China. El ascensor Bailong es el más elevado y pesado en el mundo. Alcanza una altura de unos 1.000 pies de alto, aproximadamente 325 metros, y está adosado a un enorme acantilado.

Su fabricación en cristal permite a los pasajeros obtener magníficas vistas del terreno y del extenso valle que transcurre por debajo. Pero esta maravilla no está exenta de polémica. Hay cierta preocupación debido a su enclave y al posible impacto en el entorno natural a largo plazo.

El Viaducto de Millau

Se localiza en Aveyron, Francia, y tiene el récord mundial de altura con 340 metros (más alto incluso que la torre Eiffel), lo que hace que a veces quede por encima de las nubes. Recorre 2.460 metros de longitud soportados por 7 pilas de hormigón, previstas para aguantar las condiciones meteorológicas y sísmicas más extremas.

Es un claro ejemplo de turismo tecnológico, aunque trata de integrarse discretamente en el paisaje dominado por los valles del Tarn y de Dourbie. El arquitecto responsable de la obra es Norman Foster, quien ha proyectado la autopista desde una perspectiva funcional (para mejorar las comunicaciones y el tráfico) y de seguridad (con pantallas corta-vientos, alumbrados, teléfonos de emergencia, etc.).

G-Cans Project, las alcantarillas de Tokyo

La llaman “la Catedral” del Subsuelo de Tokyo. Este proyecto comenzó hace casi 13 años con un objetivo: dotar a esta ciudad japonesa de una estructura para almacenar grandes cantidades de agua y así evitar las habituales inundaciones en la época de los monzones.

Esta enorme alcantarilla, llamada G-Cans Project, tiene una columnata de 20 metros de altura y es la más sofisticada en el mundo, capaz de hacer frente a un tsunami. Sus cifras demuestran su grandiosidad: cada una de sus 59 columnas pesa 500 toneladas; es capaz de albergar hasta 44 millones de litros de agua; se conecta por túneles a lo largo de 6,4 kilómetros; el sistema dispone de 14.000 turbinas capaces de bombear 200 toneladas de agua por segundo; cada turbina consume la misma energía que el motor de un Boeing 737, etc. El resultado es de 12 años de trabajo y un coste total de 1.500 millones de euros.

Todavía no se ha podido comprobar su eficacia en caso de catástrofe, pero se ha aprovechado para venderla como reclamo turístico (aunque la entrada sea gratuita) y usarla en algunos anuncios y películas.

Fuentes:

http://weburbanist.com/2007/11/07/7-engineering-wonders-of-the-modern-world-bridges-dams-and-more/ el 22. 02. 08 (22:01)
http://www.euroresidentes.com/Blogs/viajes/2007/11/maravillas-de-la-ingeniera-mundial.html el 22. 02. 08 (22:07)
http://www.tourisme-aveyron.com/es/aveyron/decouverte/viaduc_de_millau.php el 22.02. 08 (22:50)
http://eloisaozonas.wordpress.com/2007/05/02/maravillas-de-la-ingenieria-moderna/ el 22. 02. 08 (23:30)
http://www.slideshare.net/promosmx.com/maravillas-de-la-ingenieria-del-siglo-xxi el 23. 02. 08 (00:05)

V de Vendetta (Hermanos Wachowsky, 2005)

2008-02-19T11:06:00.016+01:00

La tercera Guerra Mundial ya ha terminado. Inglaterra está sometida a un régimen fascista que controla todos los movimientos de sus ciudadanos. Los contenidos no acordes con su ideología son censurados, los ateos son perseguidos por los esbirros del dictador, los homosexuales reprimidos y los discapacitados son objeto de experimentos crueles. Este es el contexto en el que comienza la historia del personaje V, alguien que surge durante esos momentos de oscuridad proclamando una revolución que devuelva el equilibrio a la sociedad.

Tal es el argumento que se narra en la película. Sus creadores se inspiraron en el cómic de Alan Moore, que escribió el guión del mismo, y David Lloyd, quien plasmó la historia en dibujos allá por los años 80. Éste tuvo problemas en ser editado, porque, inicialmente, fue creado para incluirlo en la antigua revista británica Warrior que fue cerrada al poco de publicarse los primeros números de V de Vendetta en 1984. Su argumento basado en las novelas 1984 de George Orwell, Un mundo feliz de Aldous Huxley y Farenheit 451 de Ray Bradbury; y su género de ciencia-ficción e intriga impidieron que pudiera concluirse la serie hasta que, en 1988, tras el éxito cosechado por Alan Moore gracias a Watchmen, obtuvieran la confianza suficiente los inversores que pagaron su edición, que no fueron otros que los editores de DC Comics.

La película reproduce el cómic de manera bastante fiel. Introduce algún que otro cambio, como la profesión de la coprotagonista Evey, encarnada por Natalie Portman, que en el cómic es una prostituta que V, interpretado por Hugo Weaving, decide acoger y cuidar y, en la película, trabaja en un medio de comunicación, también controlado por el gobierno. El guión de la misma fue escrito por los hermanos Wachowski, ya conocidos por la impactante trilogía de Matrix, que se encargaron de dirigir y que introdujo un punto de inflexión en la historia del cine. Sin embargo, la dirección de V de Vendetta corrió a cuenta de James McTeigue, a cuyo cargo también han estado películas como Star Wars: Episodio II o Matrix (como ayudante de dicrección en ambas). Este tándem suscitaba algunas dudas antes del estreno de V de Vendetta , porque se dudaba de que fueran capaces de superar el listón que habían dejado las películas de Matrix. Sin duda alguna, el trabajo realizado fue excelente y no causó decepción alguna.

No puede negarse que tal éxito fue debido, en parte, a la historia original del cómic, el cual fue muy innovador en su género cuando vio la luz, ya que incluía infinidad de detalles simbólicos que otros cómics no. Por ejemplo, el traje que lleva V, no fue escogido arbitrariamente, sino que es el mismo que el de Guy Fawkes, un hombre británico que fue detenido justo antes de prender fuego al parlamento el 5 de noviembre de 1605 en venganza al rey, por las leyes injustas que había aprobado contra los católicos. Ese día es recordado colectivamente por los británicos en la actualidad. Por otro lado, Rafael Martín, traductor y escritor de cómics, cuenta que "V de Vendetta es todo lo que los cómics no se supone que son, porque la historia que aquí se cuenta, el mensaje de subversión que llega a proponerse, dista mucho de cuanto se había intentado antes (y se ha intentado después) en el campo de la historieta"
(http://www.drimar.com/users/bibliopolis/umbrales/umbr0021.htm el 19. 02. 2008 [22:03]).

Sin embargo, a pesar de las muy buenas críticas, la película no resonó mucho en las esferas de los galardones a la industria del cine. Aun así, da gusto ver películas como esta en las salas actuales, películas que equilibran el contenido, la forma y el entretenimiento, aquellas que quedarán para la posteridad.

Fuentes:
http://www.guiadelcomic.com/comics/v_de_vendetta.htm el 19. 02. 2008 (11:32)
http://www.imdb.com/title/tt0434409/companycredits el 19. 02. 2008 (21:50)
http://wwws.warnerbros.es/vforvendetta/ el 19. 02. 2008 (21:51)

Casablanca (Michael Curtiz, 1942)

2008-02-19T11:03:00.031+01:00

La acción de la película se desarrolla durante la Segunda Guerra Mundial. Casablanca es una ciudad donde a pesar de ser fácil entrar, resulta muy complicado salir, en especial para todos aquellos que son perseguidos por los nazis. Miles de refugiados residen en Casablanca, la mayoría a la espera de un visado que les permita alcanzar Lisboa, puerta hacia la libertad que les proporciona Estados Unidos. El lugar de reunión habitual de todos ellos es el Rick´s Café. Su propietario es Rick, un americano idealista que tras sufrir una decepción amorosa se refugia en Casablanca y se mentiene alejado de toda lucha preocupandose solo por sí mismo y sin arriesgar su vida por nadie.
Todo esto cambiará una noche cuando como una refugiada más aparece en el Rick´s café Ilsa, el antigüo amor de Rick. Ella es ahora la esposa de Victor Lazslo, un líder checo héroe de la resistencia y principal objetivo de los nazis. Ilsa pide ayuda a Rick, le ofrece reanudar su amor a cambio de un salvoconducto para su marido. Rick se ve obligado a elegir, cualquiera de sus acciones puede tener consequencias.

Una pelicula sorprendente

Ya desde sus inicios, Casablanca es una película atípica y una caja de gratas sorpresas; incluso para la productora Warner que no pretendía más que hacer una más de sus 50 producciones anuales y en cambio ganó 3 oscars: mejor película, mejor director y mejor guión. Además tuvo otras 5 nominaciones: actor principal, actor secundario, fotografía , montaje y música original.

Está considerada por el Film American Institute una de las mejores películas de todos los tiempos, aunque no faltan quienes la consideran una película llena de errores y tópicos sólo valorada por su éxito popular.

Se estrenó en Nueva York en noviembre de 1942 y después en Los angeles en enero de 1943, tras el desembarco angloamericano en el norte de África. Estas fechas estaban bien calculadas ya que, aunque todos la recordamos como una bonita historia de amor, es en realidad una cinta de propaganda bélica.

Su rodaje ya comenzó de forma extraña. Se basa en la obra teatral "Everybody comes to Rick´s", texto que había sido rechazado por Brodway, cuando lo normal es que los guiones se basaran en las obras triunfadoras. Es sabido que se iban adaptando los diálogos sobre la marcha, incluso cambiándose de una día para otro, se barajan varios finales y la historia se crea poco a poco según se van escribiendo secuencias. Se empezó a rodar sin terminarlo cuando lo habitual era trabajar ya sobre guiones definitivos. Varios guionistas trabajaban en este texto, dándole cada uno su punto de vista y alterando el planning y el rodaje a menudo. A pesar de todo este caos, un estupendo trabajo de montaje final que logró poner en orden lo que parecía un montón de secuencias sin sentido y destacar además el gran trabajo de sus actores que lograron dar carácter a sus personajes. Esto ha hecho de Casablanca una película de esas que no se olvidan, sin ser una maravilla técnica, ni una joya de cinéfilos.

Tócala otra vez, Sam

Otra de las razones por las que Casablanca es recordada es por la canción "As time goes by", a la que hace referencia esta famosa frase que curiosamente no se dice en la película, lo que Ilsa dice es: "Tócala , Sam, toca As time goes by" y la frase de Rick es: "la has tocado para ella, asi que puedes tocarla para mí, tócala". Esta canción hizo posible también su creación, ya que los autores de la obra de teatro en la que está inspirada las escribieron tras oirla.

Iba a llevar el mismo título que el musical en que se basa, pero los productores quisieron cambiarlo para que sonara más exótico y por tanto más comercial. Los diálogos también sufrieron modificaciones en otros países como España e Italia debido a sus conotaciones políticas. Ilsa no sabía con quien iba a quedarse hasta el mismo día en que se rodó la secuencia final. En un principio se pensó en Ronald Regan y Ann Sheridan como protagonistas, y se quería que la dirigiese William Wyler. Se cree que el reparto final se debe a cuestiones meramente ecónomicas.

Podríamos seguir enumerando miles de anécdotas, pero lo importante es que al final... siempre nos quedará Casablanca.

Ficha técnica y artistica:

Título Original: Casablanca
Nacionalidad: EE.UU., 1942

Duración: 98 minutos

Dirección: Michael Curtiz
Guión: Julius J. y Philip G. Epstein, Howard Koch y Casey Robinson (no acreditado)
Basado en: la obra teatral "Everybody comes to Rick´s" de Murria Burnett y Joan Allison
Productor: Hal B. Wallis para Warner Bross
Productor ejecutivo: Jack L. Warner
Director de Fotografía: Arthur Edeson
Montaje: Owen Marks

Dirección artística: Carl Jules Weyl
Decorados: George James Hopkins
Música: Max Steiner (canciones de M.K. Jerome, Jack Schol y Herman Hupfeld)

Reprato: Humphrey Bogart (Rick), Ingrid Bergman (Ilsa), Paul Henreid (Victor Laszlo), Claude Rains (Capitán Renault), Conrad Veidt (Mayor Strasser), Sydney Greenstreet (Ferrari), Peter Lorre (Guillermo Ugarte), Medeleine LeBeau (Ivonne), Dooley Wilson (Sam)

Fuentes:

GALÁN, D. Colección cine de oro. El País
SÁNCHEZ, E. Dossier Casablanca. 2003, Realización de audiovisuales y espectaculos
http://www.hollywood.com/ , el 19.02 .2008 (23:15)
http://www.elseptimoarte.net/ ,el 22.02.2008 (01:20)
http://www.geocities.com/cineclasico/, el 22.o2.2008 (2:05)

Wolfgang Amadeus Mozart: das Genie

2008-02-18T14:11:00.011+01:00

En algún momento de la segunda mitad del siglo 18, en algún lugar de Viena (Austria), el violinista y compositor Leopold Mozart le compraba a su hijo un violín para que se entretuviese con él, como si de un juguete se tratara. Una vez en casa, en Salzburgo, Leopold es visitado por dos colegas, Wenzel (músico de la corte) y Schatner, para ensayar una pieza recién compuesta por el primero. El niño pide a su padre que le deje doblar la parte de la que se encargaba Schatner con su nuevo violín y, aunque al principio se opone, Leopold accede a la petición de su hijo al no poder acallar el berrinche, con la condición de que tocara muy bajo para no entorpecer sus ensayos. Sin embargo, la sorpresa de los tres hombres es infinita, cuando escuchan al pequeño frotar el arco sobre las tensas cuerdas del violín. Desde el primer al último compás, la precisión musical de éste es insuperable. El niño del que hablamos no era otro que Wolfgang Amadeus Mozart, quien, ya en sus inicios como músico, mostraba unas aptidudes excepcionales.

Mozart nació el 27 de enero de 1756, en Salzburgo, Austria. Como ya hemos mencionado, su padre era violinista y compositor de profesión, por lo que el entorno de Mozart estaba plagado de estímulos musicales desde su pequeñez, algo que probablemente influyó bastante en su enorme talento para esta arte. Esta cualidad fue rápidamente descubierta por su padre, quien hizo todo lo posible para fomentar la gran capacidad de su hijo y potenciarla al máximo. Por ello, Mozart fue llevado de gira por su padre después de sus primeros años (recorridos a la derecha), para mostrar su talento a la aristocracia de la sociedad contemporánea. La fascinación que despertaba en todo el que lo escuchaba tocar era tal, que pronto personajes importantes de la época le realizaron graves encargos. Así, con doce años, el emperador austriaco le encomendó la tarea de componer una ópera: La finta semplice. El resultado fue tan asombrosamente bueno, que muchos pensaron que había sido compuesta por su padre y no por él. La consecuencia de esto fue que no pudo ser representada.

Pero hechos como el último no consiguieron frenar la ascensión hacia la cúspide profesional de Mozart. El compositor siguió creando obras maestras una tras otra, como si su imaginación fuese una fuente inagotable de inspiración. Mozart no hizo ascos a ningún instrumento. Era capaz de imaginar combinaciones de los sonidos de todos los instrumentos junto con otros. Sin embargo, sí es cierto que dedicó más tiempo al piano, el cual usaba para componer piezas para su propio disfrute y era el que más dominaba. También hay que tener en cuenta que determinados instrumentos, como los de viento, no eran tan perfectos en su época como lo son ahora, por lo que no ofrecían tantas posibilidades. Aun así, Mozart supo sacar lo mejor de ellos en distintas ocasiones como, por ejemplo, en Concierto para clarinete, K. 622 o Concierto para flauta y arpa, K. 299, aunque es cierto que se aprecia menos ambición en tales composiciones que en las que realizaba con su instrumento favorito.

Quizá por rechazos hacia su casi omnipotente capacidad como el antes descrito, Mozart fue el primer músico que, en 1781, decidió crear y vivir por si propia cuenta y riesgo, sin tener ningún mecenas que lo financiase. Aunque fracasó, marcó un precedente y sus seguidores ya no trabajarían a merced de nadie nunca más. Como vemos, hasta en ese aspecto, Wolfgang Amadeus Mozart fue más allá que cualquiera de su época. El genio murió en 1791 en Viena, pero había llegado tan lejos en la música, que aún nadie lo ha alcanzado.

Fuentes:

Enciclopedia Salvat de Los Grandes Compositores. Madrid, Salvat, 1981
http://www.geocities.com/fcueto/Musica/WAMozart.htm el 18.02.2008 (16:17)
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mozart.htm el 18.02.2008 (16:35)
http://www.mozartproject.org/ el 18.02.2008 (16:33)
http://www.nma.at/default.htm el 18.02.2008 (16:47)

Las Siete Maravillas del Mundo Antiguo

2008-02-16T01:18:00.026+01:00

Muchas veces recordamos los logros de la humanidad a lo largo de la Historia en forma de cruentas batallas y gloriosas victorias guerreras, pero también hay que hacerlo desde su esplendor y su magnificencia artística. Con gran mérito, nuestros antepasados nos dieron las bases del arte actual, creando con esfuerzo obras de impresionante belleza y enorme envergadura, y mostrándonos como el ser humano también es capaz de crear maravillas.

Catalogadas en época helenística (siglo II A.C.), y teniendo como referencia los listados de los historiadores y viajeros griegos, se cree que la lista original de las Siete Maravillas de la antigüedad fue hecha por Antiparo de Sidón según unos, o por Philo de Bizancio según otros. Su procedencia griega explica la fuerte influencia de esta civilización en el criterio de elección de las obras, ya que sólo aparecen las pertenecientes al mundo que ellos conocían y se descartan las maravillas chinas, debido al poco contacto entre ambas civilizaciones en la época.

Que fueran 7 las Maravillas y no otro número es por la noción mística que se tiene de él. Siete son las veces que se deben perdonar según los hebreos, siete son los pecados capitales que aparecen en el Antiguo Testamento, al séptimo día Dios finalizó la creación del mundo y descansó, de ahí los días de la semana y el domingo de descanso, según el Génesis, y siete es el número de astros visibles en aquella época (el Sol, la Luna y 5 planetas). Por tanto, el 7 era considerado como el número perfecto.

Las Maravillas fueron construídas en diferentes etapas de la Historia Antigua, y su duración en el tiempo también fue variable. De todas, solamente una a perdurado hasta nuestros días: las Pirámides de Gizeh, con más de 4.500 años de vida. Las demás han llegado hasta nosotros a través de las descripciones de los cronistas helenísticos, puesto que poco a poco fueron cayendo víctimas sobretodo de los terremotos.

En su época, estas obras se consideraron dignas de ser visitadas y admiradas por mostrar la grandeza de la creación humana. Actualmente, son una prueba de conocimiento cultural y general.

1. Las Pirámides de Gizeh

Es la más antigua de las Maravillas, pero sin embargo la única superviviente. Las pirámides más antiguas datan del 2750 antes de Cristo, pertenecen al Antiguo Imperio del Bajo Egipto y actualmente conservamos unas ochenta. Se considera a Inhotep el arquitecto inventor de las pirámides, que servían como tumbas de los faraones. Años después se pasó a utilizar el sepulcro subterráneo.

Nos situamos en Gizeh, una vasta llanura situada a las afueras de la antigua capital de Egipto, Menfis. En esta necrópolis abundan las construcciones funerarias, puesto que es el cementerio donde van a parar todos los habitantes de la capital. Las más sobresalientes son las tumbas de los faraones Keops, Kefrén y Micerinos, construídas en el siglo XXV a. C. Sus pesados bloques de granito miden un metro de altura y se montan unos encima de otros, creando una forma piramidal de unos 51 grados de inclinación de los lados. A los alrededores se encuentran otras edificaciones menores. La construcción con materiales tan pesados y tan pocos recursos hace que nos sorprendamos más aún de su grandiosidad. Actualmente, casi 5.000 años después, la humanidad no ha logrado crear nada semejante. Las construcciones modernas, ni con todos los medios, consiguen multiplicar el peso de estas pirámides.

Durante mucho tiempo se ha especulado sobre la utilización de esclavos durante la construcción de estas maravillas, pero en realidad no es la utilización del término tal y como lo imaginamos. Para el trabajador egipcio, ser llamado para construir las pirámides era un honor y un servicio a sus venerados dioses y, tras el paso por la construcción de éstas, volvían a sus habituales trabajos. Pero esta creación no se debe solamente a una civilización fuertemente estructurada, sino también a un gran avance técnico. Los egipcios conocían la rueda, de la que se servían para medir y cortar de forma uniforme los bloques de piedra, y utilizaban troncos de madera para ayudarse a trasladarlos.

La pirámide más importante y grande es la del faraón Jofu, denominado Keops por Herodoto en su famoso libro de historia. Fue terminada alrededor del año 2570 a. C. y tardó 20 años en completarse. Mide 146,6 metros de altura, 230 de ancho y está compuesta de más de 2.300.000 de piedras. Dentro la iluminación corre a cargo de las antorchas. El sarcófago será bien escondido de los ladrones, que corren el riesgo de acceder a una falsa cámara sepulcral en vez de a la verdadera. Aún así, de las tres pirámides, sólo la de Micerinos permanecerá intacta hasta su expedición arqueológica.

Algunas citas célebres serán las de: Abd-ul-Latif, quien dijo que "todas las cosas temen el tiempo, pero el tiempo tiene miedo a las pirámides"; y la de Napoleón que, mostrando altas dosis de liderazgo y oratoria, animó a sus hombres en una expedición a Egipto cuando todavía era Primer Cónsul pronunciando las conocidas palabras "desde lo alto de estas pirámides, veinte siglos nos contemplan".

Parte de la piedra usada en su construción fue removida por los habitantes de El Cairo durante la Edad Media para construir viviendas, palacios y obras públicas.

Por último, hay que destacar una contemporánea de las pirámides: la esfinge, escultura que representa un león con rostro humano creado a partir de un montículo de caliza.

2. Los Jardines colgantes de Babilonia

Según dicen los relatos el rey de Babilonia Nabucodonosor se caso con Amyitis, la hija del rey de los Medos para de esta manera sellar la alianza entre ambos monarcas. Esta mujer acostumbrada a las montañas llenas de vegetación de su país no lograba acostumbrarse a las planicies soleadas y yermas de Babilonia. Por ello, el rey Nabucodonosor ordenó la construcción de los jardines. Éstos eran una especie de zigurat con enormes plataformas planas que contenían tierra de tal manera que pudieran albergar incluso árboles. De esta manera se construyó una montaña artificial. Como en la mesopotamia la piedra era escasa, la estructura debió fabricarse con ladrillos, lo que presentaba el inconveniente de necesitar una aislación hidrófuga para impedir que la humedad de la tierra deteriorara esta estructura. Para ello los babilonios recurrieron a recubrir los lugares donde la tierra iba alojada con asfalto y en algunos casos con plomo. Aún hoy en dia se ignora si estos jardines existieron o no en realidad o esto es tan solo una leyenda.
Los Jardines colgantes de Babilonia. Construidos en 605 adC - 562 adC. Ubicados en la ciudad de Babilonia, actual Iraq. Perduraron hasta no más allá de 126 adC, cuando la ciudad fue destruida definitivamente por los partos.

3. El Templo de Artemisa en Éfeso

Éfeso es una de las principales ciudades de Jonia en la costa este de Asia Menor, a orillas del mar Jónico. Desde siempre había sido un centro de culto de la diosa Artemisa, protectora de la caza, la naturaleza y los animales salvajes y la fertilidad, después llamada Diana por los romanos.

El templo de Artemisa o Artemision en Éfeso (actual Turquía). Construido hacia 550 adC y destruido por un incendio intencionado en 356 adC, Alejandro Magno ordenó su reconstrucción, culminada tras su muerte en el año 323 adC. Este nuevo templo, que debe ser considerado como el incluido dentro de la lista de las maravillas, fue destruido a su vez por los godos durante un saqueo en el año 262.

4. La Estatua de Zeus en Olimpia

En la Élide, ciudad al noroeste del Peloponeso, encontramos Olimpia, el principal santuario y lugar de culto de Zeus en Grecia. Bajo la atenta mirada de su monte más alto, el Olimpo, el festival de Zeus celebraba cada 4 años desde el 776 a. C. los famosos Juegos Olímpicos u Olimpiadas. A medida que estos juegos fueron creciendo en importancia, se fueron desarrollando más estructuras en la zona, entre ellos estadios y templos.

El Templo más importante fue el de Zeus, terminado de construir en el 457 a. C. Fue diseñado por Libón de Élide, con unas dimensiones enormes: 28 metros de ancho por 64 metros de largo, 20 metros de alto, y con columnnas de orden jónico de más de 2 metros de diámetro. En los frontones podemos ver mitos sobre las Olimpiadas, como es el de su origen, en el que Pélope vence atléticamente a Enomao para conseguir casarse con Hipodamia. Éste será uno de los grupos escultóricos más importantes del arte clásico griego.

Pero para los devotos del dios esto no era suficiente, y el templo debía tener algo que le distinguiera del resto de templos y que lo hiciera magnífico y único: una colosal estatua. El encargo fue encomendado al fabuloso escultor ateniense Fidias, que concluyó su obra sobre el 430 antes de Cristo. La Estatua de Zeus se ubica dentro del propio templo a pesar de su gran tamaño, de aproximadamente 7 metros de altura y 13 de ancho, y muestra al dios sentado en su trono. Está realizada en oro y marfil (técnica «crisoelefantina») sobre un centro de madera, y el trono es a su vez decorado con pinturas. Fidias sigue los ideales de equilibrio, belleza y armonía formal imperantes en la época. Era tan impresionante, que el emperador Calígula trató de transportar la estatua a Roma en barco, sin conseguirlo.

En el año 392 a. C. el emperador Teodosio el Grande prohibió el culto pagano. Hay diferentes teorías sobre la desaparición de esta maravilla. Algunas sitúan su fin en el siglo VI d. C., unos mil años después de ser construída, a causa de unos terremotos. Otras lo hacen pocos años después de su construcción, en el 426 a. C., por la orden de Teodosio II de demoler los monumentos de Olimpia. Y por último, se dice que la estatua fue llevada a Constantinopla donde se incendió en el 462 d. C.

5. El Mausoleo de Halicarnaso

En Halicarnaso, un estado de la Asia Menor (actual Bodrum, Turquía), el próspero reino de Mausolo ha hecho de ésta una ciudad importante. Pero tras 24 años gobernando, Mausolo muere en el 353 a. C. y es sucedido por su esposa y hermana Artemisia.

La viuda decide no reparar en gastos para hacer ver a la ciudad que jamás volvería a vivir una época tan fructífera como la regida por Mausolo, y para mostrar su reconocimiento crea la sepultura más especial de la Historia: el sepulcro de Mausolo o Mausoleo, término que actualmente utilizamos para designar a esta clase de monumento fúnebre.

La tumba fue construída por los arquitectos Sátiros y Piteas, partiendo de un podio rectangular de mármol sobre el que reposa una columnata de orden jónico (36 columnas) que sostiene una pirámide escalonada. En lo más alto, una estatua representa una cuádriga. Aparte de su gran altura, de unos 50 metros, es rico en adornos y frisos de gran belleza. Para ello contó también con famosos artistas griegos como Briaxis, Timoteo, Leucastes y Escopas, que se encargaron de realizar sus numerosos relieves y estatuas.

Tardó en realizarse desde el 370 a. C. hasta el 351 a. C. El reinado de Artemisa fue muy corto, tan sólo 2 años, por lo que los artistas decidieron concluir la obra por su cuenta. 16 años más tarde, Alejandro Magno destruye la ciudad, pero el Mausoleo permanece intacto hasta 1404, año en que lo destruye un terremoto. Algunas piedras se utilizaron para crear una fortaleza para combatir a los turcos. Los restos quedaron sepultados hasta que en una excavación en 1522 fue encontrado de nuevo y, según dicen, destruido por las autoridades islámicas de la época que prohibían la representación de figuras humanas.

6. El Coloso de Rodas

Nos situamos en el mar Egeo, a 18 kilómetros de la costa. Allí se encuentra la más importante de las islas Espóradas: Rodas, capital del Dodecaneso (un archipiélago formados por una veintena de islas). Esta situación geográfica privilegiada es la que convirtió a Rodas en el mayor centro económico y comercial del Mediterráneo Oriental.

Tras la muerte de Alejandro Magno en el año 323 a. C., los Diádocos («sucesores») pelearon por repartirse los restos de su Imperio. La ciudad de Rodas apoya a Tolomeo II Filadelfo, que ya tenía en su poder Egipto. Esto irritó a otro de los diádocos, Antígono, que envió a su hijo Demetrio I Poliarcetes rey de Macedonia a conquistar la ciudad de Rodas. Demetrio gozaba de gran privilegio como estratega militar, principalmente en los asedios. Con un ejército de 40.000 hombres, cantidad mayor que la población de Rodas, hizo uso de la técnica "Poliarcética" para atacar las grandes murallas y excelentes fortificaciones de la ciudad. Pero los habitantes consiguieron resistir hasta que Tolomeo envía una flota desde Egipto, haciendo replegarse a las tropas de Demetrio.

Para festejar la victoria, la ciudad decide levantar un monumento en homenaje a Helios, el dios del sol griego, en la entrada del activo puerto. Las obras irán desde el 294 al 282 antes de Cristo y serán dirigidas por Cares de Lindos, discípulo del escultor griego Lisipo. La estatua recibe el nombre de Coloso por sus gigantescas dimensiones (entre 30 y 35 metros de altura). Estaba hueca por dentro, y por fuera las placas de bronce cubrían su estructura de hierro y piedra. Los barcos podían divisarla desde muy lejos y pasar por debajo de sus piernas para entrar al puerto debido a su gran tamaño, aparte, su fama atrajo a viajeros de todo el mundo.

Es la más efímera de las maravillas, puesto un terremoto le debilitó las rodillas y se desplomó en el 224 a. C., 60 años después de su erección. Con él, habían sido 5 las maravillas en pie en un mismo tiempo. Tolomeo ofreció ayuda a los habitantes para reconstruir el Coloso, pero éstos se negaron temiendo que el terromoto hubiera sido provocado por el dios Helio, ofendido por su parecido con la estatua. Siguiendo los consejos de un oráculo, dejaron yacer sus restos donde cayeron. 900 años después, en el 654 d. C., los musulmanes se apoderaron del bronce como botín en una incursión.

Habían de pasar 2.000 años hasta que el hombre realizara una estatua colosal que superara su tamaño.

7. El Faro de Alejandría

A diferencia de las demás maravillas, ésta no va a ser un edificio o escultura, sino una torre de luces para facilitar la navegación (indicar el camino a los barcos).

En el año 331 antes de Cristo, Alejandro Magno fundó la ciudad costera de Alejandría en el recién conquistado Egipto. Se ubicó a 20 kilómetros de la desembocadura del Nilo para evitar que los sedimentos del río obstruyeran el puerto y, aparte del puerto marítimo, se construyó un puerto fluvial conectado mediante un canal. Esta liberación del dominio persa hizo que los lazos entre griegos y egiptos se estrechara, de forma que la nueva capital egipcia se convirtió en un importante foco de la cultura helena y de relaciones comerciales.

Cuando Alejandro murió, el rey Tolomeo II Filadelfo, de origen griego, se encargó de terminar la ciudad y decidió contruir en ella una torre de mármol blanco en la isla de Faros (en griego, Pharos, que dará lugar al término como hoy lo conocemos), que se encargara de guiar a los barcos a puerto. Las obras comenzaron alrededor del 285 a. C. y duraron aproximadamente 30 años. El arquitecto que las dirige será Sostrato de Cnido.

El faro tenía planta poligonal y estaba dividido en 3 secciones, con una altura, según se afirmaba, de 113 metros. Por las noches, la luz provenía de un fuego encendido en lo alto de la torre y reflejado mediante espejos, y durante el día se utilizaban los espejos para reflejar la propia luz solar. Para la época, aparte de ser una construcción única en el mundo, era la segunda más alta después de las pirámides.

En el siglo XIV, tras unos 1.600 años de vida, el Faro se derrumba por causas naturales, principalmente debido a los terromotos que la habían ido debilitando poco a poco. Sus restos se reutilizaron para construir una fortaleza cercana.

Fuentes:

HOWATSON, M. C. Diccionario abreviado de la Literatura clásica. Madrid, Alianza, 1999.
LARA PEINADO, F. Mesopotamia. Madrid, Arlanza, 2000.
http://sietemaravillas.tripod.com/ el 16. 02. 2008 (1:40)
http://www.geocities.com/lassietemaravillasdelaantiguedad/ el 16. 02. 2008 (1:52)
http://detodounpoco-tag.blogspot.com/2007/11/qu-pas-con-las-siete-maravillas-del.html el 17. 02. 2008 (21:45)

La balsa de la Medusa (T. Géricault, 1818-1819)

2008-02-12T10:20:00.000+01:00

El dos de julio de 1816, la fragata Medusa perteneciente al ejército francés naufragó frente a la costa oriental africana de camino hacia la colonia francesa de St. Louis, actualmente Senegal. Al no haber suficientes botes salvavidas se improvisó una balsa en la que se instalaron 150 pasajeros, pero al poco la tripulación de los botes notó que era demasiada carga arrastrar la balsa para los pequeños bote, por lo que abandonaron a los 150 pasajeros de la balsa. Desde ese momento dependerían absolutamente de su suerte. Los náufragos navegaron a la deriva durante trece días, tiempo en el que sufrieron auténticas situaciones de locura, muerte y canibalismo. Cuando, finalmente, la barca fue encontrada por un navío francés, sólo quedaban 15 personas con vida, cinco de las cuales murieron tras el rescate. Las altas esferas ocultaron el suceso, pero, en otoño de 1817, los supervivientes publicaron el relato que provocó una oleada de repulsa hacia el ejército, por lo que fue censurado y juzgado el capitán de la Medusa.

Por su parte, Géricault expuso Los náufragos de la Medusa en 1819. Se trataba de un enorme lienzo pintado al óleo de 491x716cm que plasmaba el sufrimiento vivido por los pasajeros abandonados del barco francés. Por ello, el cuadro fue receptor de multitud de críticas, muy duras algunas de ellas. Estilísticamente tiene un predominio del color sobre el dibujo, característica principal del romanticismo. Además, el autor muestra la escena con un realismo macabro, deteniéndose en la anatomía resaltada de los náufragos moribundos, para lo cual reunió decenas de cadáveres en su estudio para realizar análisis anatómicos; y componiendo las figuras a base de líneas serpenteantes y espirales, lo que imprime más dramatismo a la escena. La visión es completamente dantesca, pues la balsa está medio deshecha por el oleaje, los cuerpos de los muertos se ven putrefactos, mutilados, desperdigados... El pintor estuvo ocho meses rodeado de cadáveres y de una réplica de una balsa similar a la del suceso (creada por el autor de la original, superviviente del desastre) para poder empezar a realizar el cuadro.

A pesar de que las figuras que Géricault diseñó estaban perfectamente modeladas y del magnífico claroscuro que utiliza, que recuerda al gran Caravaggio y que debió de resultar conocido al público gracias al neoclasicismo, las críticas populares no se focalizaron sobre el estilo de la obra, sino hacia su contenido. No se podía entender que Géricault no eligiera un tema clásico, heroico o edificante como mandaban los cánones académicos. Tampoco se comprendía el porqué de tratar el naufragio, puesto que se suponía que las representaciones de desastres debían evocar un destino humano universal, sin resultar demasiado concretas o personales, ni afectar el ánimo del espectador. En cambio, nuestro pintor se centró, impresionado y avergonzado, en un hecho real que implicaba un gravísimo error humano. Ante los ojos del espectador, solamente desfilan la galería de expresiones humanas que componen la obra, no hay nada que intermedie entre el observador y el acontecimiento representado. La combinación inquietante de figuras idealizadas y la agonía que plasma con extremado realismo, así como su gigantesco tamaño y la minuciosidad de los detalles, desataron una tormentosa controversia entre los artistas de tradición neoclásica y los que tenían una opinión diferente de los temas que debía tratar la pintura.

Géricault rompió con todas las reglas temáticas del neoclasicismo en este cuadro, pero sí respetó las de la composición. Podemos observar la pirámide que forman las personas en la balsa (cuyas figuras evocan la forma de representarlas de Miguel Ángel) que está coronada por un hombre de color negro (que ondea una pieza de tela para llamar la atención de los barcos). Mediante esta composición se pretende dar solidez al cuadro, lo que contrasta con el caos del oleaje. La importancia del lugar que otorga al personaje negro puede estar en concordancia con la lucha por abolir la esclavitud que se acababa de iniciar. Por otro lado, el hombre que agita el trapo blanco muestra la esperanza por la salvación. A la izquierda del lienzo, un hombre de avanzada edad se cubre por un manto rojo dando la espalda al barco creando un punto de impacto visual hacia el cual se va la mirada rápidamente. Esta figura es antagónica a la anterior, ya que es símbolo de la desesperanza que impregna toda la escena plagada de cadáveres. Sin embargo, gracias a las diagonales en ascendente creadas en el cuadro a través de los brazos de los hombres, llegamos a la figura del hombre negro y la esperanza exaltada por la agitación del paño, haciéndonos recobrar las fuerzas por vivir, curioso y original recurso de Géricault. El barco que salvará a los náufragos no se averigua en el lienzo, pero sí los obstáculos, ya que unas grandes olas abaten la barca al tiempo que el viento sopla en contra, dejando a la suerte y el azar la salvación de los moribundos supervivientes. Es precioso como Géricault plasma el viento en los personajes. Mientras el anciano con el llamativo manto rojo ha curvado su cuerpo a favor del viento, como sinónimo de rendición a la muerte, los jóvenes de la pirámide contonean su cuerpo en contra intentando salvarse del trágico destino. Podemos observar que la colocación de los personajes no es arbitraria, sino que en la parte inferior ha colocado a cadáveres y al anciano, y encima a los que buscan la salvación, contraponiendo en ese poco espacio los dos grandes temas de la muerte y la vida respectivamente. Como anécdota hemos de puntualizar que Eugéne Delacroix posó para su amigo y aparece como la figura muerta de primer plano que sostiene el anciano del manto rojo. A su vez, Delacroix le correspondió, retratando a Géricault como uno de los muertos en el infierno que cruza su Barca de Dante.

Théodore Géricault nació en Ruan (1791) y murió en París (1824). Fue la figura principal del romanticismo francés. La proyección de Géricault se limitó solamente a doce escasos años, pero dio lugar a una gran colección artística. Era un amante reconocido de la naturaleza y un apasionado por los caballos, lo que le dio a realizar cantidad de esbozos y cuadros de estos animales, cuya realidad y dinamismo no han sido superados por prácticamente ningún otro pintor. Una de sus primeras obras fue Retrato de un oficial de los cazadores dirigiendo una carga, la cual expuso en el salón internacional de 1812 lo que le dio a conocer. Sus obras con carácter apasionado y vehemente supusieron una ruptura con el Neoclasicismo e introdujeron el primer Romanticismo. Estilísticamente se vio influido por los estudios de la antigüedad desarrollados en el siglo XIX y por los maestros de los siglos XVII y XVIII. Sin embargo, Géricault no sólo se conformó con esto pues abrió camino hacia el impresionismo con uno de sus últimos cuadros: Derby en Epson (a la izquierda). Residió dos escasos años en Italiano que despertó en él una verdadera pasión por Miguel Ángel. Murió a causa de una caída montando a Caballo, cuando estaba trabajando en una serie de retratos de enfermos mentales. Géricault pasó a mejor vida, con la temprana edad de 33 años, pero inmortal a los ojos de los que observan sus obras. En 1998 el director de cine Iradj Azmi, realizó la película La balsa de la medusa.

Fuentes:

CALVERA, C. El Naufragio de La Medusa. Abraxas, 2005
TOMAN, R. Neoclasicismo y Romanticismo. Konemann, 2006
Enciclopedia Historia universal del arte. Olimpo, 1994

Madonna Sixtina (Rafael Sanzio, 1512-1514)

2008-01-27T19:31:00.000+01:00

Esta obra pintada por Rafael Sanzio es un óleo sobre lienzo y pertenece al periodo del renacimiento italiano conocido como cinquecento.Se fecha entre 1512 y 1514.Actualmente puede verse en el museo Gemäldegalerie de Dresde.
Se cree que fue un encargo del papa Julio II estaba destinado al altar mayor del templo de los monjes de san Sixto de piacenza. También se piensa que su destino final era decorar la tumba del pontífice que era devoto de San Sixto.

La composición de este cuadro es muy detallada y la colocación de los personajes no descuida la simetría. Sus posturas y gestos así como toques de colores le dotan de una gran viveza entre los tonos fríos dominantes. También se aprecia volumen en las figuras La técnica usada en el cuadro es la de la perspectiva "de sotto in su" aumenta la tensión de la escena jugando con las miradas de los personajes y el uso de luz dorada crea la ilusión de la no realidad.
En la parte central aparece la virgen con el niño flanqueada por San Sixto a la derecha y Santa Barabara a la izquierda. Todos entre nubes.
La novedad de este cuadro reside en que no sigue las convenciones de la época la representación de la escena es más propia del barroco.

Acorde con el pensamiento imperante en la época las figuras normalmente son humanizadas en la obra de Rafael, pero aquí se aprecia a una virgen que actúa como intercesora entre Dios y los hombres, se la presenta al público como sencilla y dulce. El niño esta en sus brazos como un signo de redención y el hecho de que los personajes parezcan estar echados hacia delante refuerza aún más esta idea de mediación y las cortinas aportan drama y sensación teatral .Se podría interpretar a los santos como estos mediadores ya que ambos presentan un escorzo en el que parecen dirigirse al exterior. Por último los dos ángeles que aparecen como apoyados en el marco del cuadro dirigen su mirada hacia arriba y separan lo terrenal de lo divino.

Curiosidades

Se cree que los modelos para el cuadro fueron; el papa Julio II para San Sixto, una sobrina de este para Santa Bárbara y Fornarina (amante de Rafael) para los rasgos de La Virgen.

Rafael pinto seis dedos el la mano derecha del papa porque esto representaba que tenía un sexto sentido para interpretar sueño proféticos.

El cuadro esta pintado sobre tela y esto es algo insólito, Rafael casi siempre lo hacia sobre tabla. La explicación que se da es que el cuadro fuera pensado para usarse en un estandarte procesional.

Los angelitos de la parte inferior son más conocidos que el cuadro se han hecho famosos en todo el mundo. Se reproducen como laminas y se usan como decoración en multitud de objetos.

Este tipo de ángel aparece por primera vez en el renacimiento y se llaman putti derivado del término putto que significa niño en italiano.

Breve comentario sobre Rafael

Su nombre completo es Rafaello Sanzio o Santi. Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino y murió a los 37 años. En su corta vida dejo un legado artístico muy extenso. Convivió con Miguel Ángel y Leonardo y a pesar de ser el más joven de los tres y viéndose influido por estos, supo desarrollar sus actitudes en la época en la que los pintores dejaban de considerarse como artesanos.
Inició su aprendizaje con su padre Giovanni de Santi (pintor de segunda categoría) pasando más tarde a ser discípulo de Pietro Vannucci, El Perugino. No tardo en superar al maestro .Después se trasladara a Florencia y a Roma. En esta última ciudad desarrollara la mayor parte de su obra
La temática de Rafael no es original, esta adaptada a la época en la que desarrollo su arte, su genialidad reside en que tenía una amplia capacidad de síntesis y dominio de la armonía. Interpretaba perfectamente el ideal de belleza y forma del renacimiento. Dominaba el color y sabía adaptar la temática del cuadro a diferentes técnicas compositivas.
Entre sus obras también destacan las madonna del gran duque, la bella jardinera, la escuela de Atenas o sibilas y Ángeles.

Fuentes:

GOMBRICH, E. H. La historia del arte. China, Debate, 2006.
FERNÁNDEZ, A. BARNECHA,E. HARO, J. Historia del arte. Vicen vives, 1998.
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/6941.htm el 24.01.2008 (22:45)
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3077.htm el 24.01.2008 (23:15)
http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_05_06/rafael.htm el 25.o1.2008 (23:30)
http://www.arteespana.com/rafaelsanzio.htm el 26.o1.2008 (23:30)
http://www.artelista.com/id-english/seccio.php?s=news316 el 27.01.2008 (17:45)
Enciclopedia Larousse

La máscara de la Muerte Roja (Edgar Allan Poe, 1842)

2008-01-25T13:54:00.000+01:00

Lee el cuento La máscara de la Muerte Roja pinchando aquí

El "cuento de terror" es un género literario que ve su esplendor en los siglos XIX y XX, de la mano de los Hermanos Grimm y Charles Perrault entre otros. Lo que intenta es la suspensión de la credulidad, suscitar al lector miedo de una forma verosímil mediante una mecánica lenta y gradual, en un atmósfera siniestra plagada de hechos paranormales. Su antecedente es la llamada "novela gótica", que floreció a segunda mitad del siglo XVIII y primera del XIX, entre racionalistas y románticos. La gran influencia de los cuentistas de terror provienen del romanticismo alemán, y se destaca entre ellos a autores como Daniel Defoe, Coleridge, los demonios de Goethe y los fantasmas de Shakespeare.

Con Edgar Allan Poe este género alcanza sus cimas más altas alrededor de 1830. En sus cuentos a menudo entendemos como creíbles escenarios plagados de elementos sobrenaturales, castillos marcados por maldiciones, espectros que pululan por las noches y manchas de sangre en la pared. Se le considera inaugurador del "terror psicológico" por su tratamiento de la historia, ya que su interés no residía especialmente en el mero susto, sino en los efectos emocionales. Con Poe, se eliminan los finales felices y las explicaciones racionales. De sus numerosas obras de terror, analizaremos una, La máscara de la Muerte Roja, escrita en 1842, cuyo interpretación y contexto analizaremos en las siguientes líneas.

La máscara de la Muerte Roja

La «Muerte Roja» acechaba los dominios del príncipe Próspero. Esta enfermedad se extendía como la peste, y en poco la región perdió casi a la mitad de sus habitantes. Sus efectos eran mortíferos: primero un dolor agudo, después un súbito desvanecimiento, y por último un abundante sangrar de los poros de la piel, especialmente del rostro.

El feliz y excéntrico príncipe decidió escoger a mil amigos, caballeros y damas, y encerrarlos con él en un castillo abastecido copiosamente, lleno de músicos y bufones para el disfrute de sus invitados. Una vez que todos estaban dentro, tiró la llave al río.

Al quinto o sexto mes de encierro, Próspero realiza un baile de máscaras. Decidió, uno por uno, el vestuario de cada unos de sus invitados, y se trasladaron a una hilera imperial de salones decorados por el propio príncipe, al puro estilo bizarro. Las salas estaban dispuestas de forma que sólo podías ver una a la vez, y cada una de un color diferente, únicamente iluminado por la luz que traspasaba de las ventanas coloreadas. El aposento del extremo oriental, estaba decorado en azul, y los ventanales eran de un azul vivo. El segundo era de color púrpura, con vidrieras eran purpúreas. El tercero, enteramente verde, y verdes sus ventanas. El cuarto, anaranjado, que recibía la luz a través de una ventana anaranjada. El quinto, blanco, y el sexto, violeta. El séptimo salón estaba forrado de terciopelo negro, por paredes y techo. Pero en este último, los ventanales eran de un rojo vivo, del color de la sangre, y tenía un enorme reloj de ébano, que le daban un aspecto tan siniestro que eran pocos los bailarines que se atrevieron a pisarla.

Cuando a la hora, el reloj daba su estrepitoso y musical timbrazo, el mundo parecía pararse: los músicos dejaban de tocar y los bailarines se paraban para escuchar sus campanadas, y una perturbación momentánea sacudía a los presentes, cuyos rostros empalidecían y sus cabezas parecían sumirse en un sueño febril. Al cesar el reloj, una extraña sensación recorría el cuerpo de los invitados, que al poco rato reían nerviosamente por su locura, y juraban no volver a pararse ni a dejarse impresionar por el timbrazo del reloj. Pero no fue así, y cuando el reloj volvió a completar los 60 minutos, los músicos volvieron a acallar, las caras de los bailarines volvieron a palidecer, y sus cabezas volvieron a dar vueltas sumiéndose en un sueño, y una vez terminadas las campanadas salían de su estremecimiento, y volvían a jurarse que la próxima vez no lo harían.

Después, la fiesta continuaba, y los invitados disfrutaban de los grandes lujos que les concedió el príncipe. Pero cada hora, por unos instantes, todo guardaba silencio. A medida que transcurría la noche y el color de las salas oscurecía, no había nadie que osara meterse en la séptima sala, cuyas paredes reflejaban la escarlata de los ventanales.

La diversión alcanzó sus mejores momentos a medianoche, pero fue entonces cuando las campanadas más durarían. Cuando el reloj comenzó su melodía, todos volvieron a inmovilizarse, pero algunos, antes de sumirse en el profundo estado febril, consiguieron divisar una máscara que no habían visto a lo largo de toda la noche. Su vestidura estaba manchada de sangre, y su máscara, que representaba las facciones de un cadáver, también estaban salpicadas de color escarlata. Un murmullo de desaprobación, terror y asco recorrió las salas.

Este personaje alto y extraño recorrió todas las salas, empezando por la azul y dirigiéndose a la última, a la negra. El príncipe, que se encontraba en la sala azul, lleno de ira por aquel personaje cuyo disfraz no había autorizado y cuyas facciones parecían la encarnación de la «Muerte Roja», mandó retenerle y desenmascararle, pero nadie se atrevió. El enmascarado continuaba ininterrumpidamente su marcha hasta la séptima sala.

Avergonzado por su propia cobardía, el príncipe recorrió a paso apresurado las 6 cámaras, llegando ante aquel extraño personaje blandiendo un puñal desenvainado. Pero antes de poder acercarse lo suficiente para atacarle, este se volvió bruscamente, y un grito de dolor recorrió las 7 salas, acompañado del sonido de la daga y de su cuerpo cayendo al suelo.

Un tropel de máscaras corrieron a sujetar y desvelar la identidad del individuo que mató a su príncipe y que permanecía frente al reloj de ébano. Pero al retirarle la máscara desvaneció, y solo quedaron con su sudario en la mano. Era un ente incorpóreo, entonces comprendieron que era la mismísima «Muerte Roja». Y uno por uno fueron cayendo, inundando los suelos con su roja sangre. Cuando el último de ellos murió, el reloj tocó su última campanada, y las llamas que iluminaban las vidrieras se extinguieron, sumiendo en la ruina y en las tinieblas a todo el territorio, bajo el dominio de la «Muerte Roja».

Contexto e influencias

Una de las posibles influencias de Poe es la enfermedad que por aquellos años sufría su esposa: la tuberculosis. Esta enfermedad de índole respiratoria es fatal actualmente, pero más aún lo fue en el siglo XIX, cuando todavía no existían remedios ni vacunas. Su transmisión es a través de la boca (hablando, estornudando, etc.), pudiendo infectar entre 10 y 15 personas al año. Sin tratamiento, aparte del contagio, las consecuencias pueden ser graves incluso mortales.

Las epidemias y pandemias más calamitosas del siglo XIX fueron el cólera, la fiebre amarilla y la peste bubónica o negra. La mayoría se dan en condiciones de poca higiene e insalubridad. A raíz de este tema muy real, Poe construye su cuento de ficción. Después de toda una historia plagada de verdaderos exterminios por causas biológicas, no es difícil creer en la «Muerte Roja». Toda una experiencia avala el cuento: las existencia de epidemias fatales que acaban con gran parte de la población, la multitud de enfermedades extrañas, personajes excéntricos como Próspero, el comportamiento de sus invitados, incluso el realismo con el que nos plantea la encarnización de la Muerte Roja en un personaje oscuro.

Actualmente son muchos los relatos y películas que parten de presupuestos reales para construir su ficción, es el actual "terror psicológico", llamado así por el mismo de considerarlo creíble. La máscara de la Muerte Roja es un gran precedente de este género. Películas como 28 semanas después, videojuegos como Resident Evil o libros como Apocalipsis de Stephen King, ven en Edgar Allan Poe su punto de partida.

Hugo N. Santander nos habla de la correspondencia de la obra de Poe con la sociedad actual como una profecía que inspira los temores de la sociedad contemporánea, cuya peor arma de destrucción masiva es de índole biológica.

El cuento dice: "Cuando sus dominios perdieron la mitad de su población, reunió a un millar de amigos fuertes y de corazón alegre, elegidos entre los caballeros y las damas de su corte, y con ellos constituyó un refugio recóndito en una de sus abadías fortificadas." Hugo ve en ello la distinción entre pobres y ricos. Sin poner remedio para los pobres, Próspero decide, como autoridad máxima, "salvar" y rodear de lujos a sus ricos amigos, mientras deja que fuera la enfermedad devaste a quien se pongan por delante, es decir, al pueblo.

El reloj de ébano actuaría en representación del Tiempo, sobre los lujos y sobre la muerte. El tiempo es el que verdaderamente rige la existencia humana, y las sucesivas campanadas del reloj no hace sino marcarnos en final de la historia, con el final del ciclo de reloj.

Sobre el autor

Edgar Allan Poe nació en Boston, Estados Unidos, el 18 de enero de 1809. Sus padres, actores de teatro itinerantes, murieron cuando él todavía era un niño, y fue criado por John Allan (que probablemente fue su padrino) y por su esposa. John era un acaudalado hombre de negocios, y se llevó a Edgar, cuando sólo tenía 6 años, a vivir con ellos a Inglaterra, donde fue internado en un colegio privado.

En 1820 regresa a Estados Unidos donde continúa sus estudios en centros privados, e ingresa en la Universidad de Virginia, que abandonó un año después por su afición a la bebida y al juego. Allan le asignó un puesto como empleado, pero él detestaba ese trabajo y lo dejó al poco tiempo. En 1827 viaja a Boston y publica anónimamente su primer libro, "Tamerlán y otros poemas".

Poco después se alistó en el ejército, en el que permaneció dos años. En 1829 apareció su segundo libro de poemas, "Al Aaraf", y gracias a la ayuda de su padre adoptivo consiguió un cargo en la Academia Militar de West Point, pero a los pocos meses fue expulsado por negligencia en el cumplimiento del deber.

Tras la publicación de su tercer libro, "Poemas" (1831), se trasladó a Baltimore, donde contrajo matrimonio con su joven prima Virginia Clemm, de catorce años de edad. Por esta época entró como redactor en el periódico Southern Baltimore Messenger, y más tarde en varias revistas en Filadelfia y Nueva York. También ganó un concurso son su cuento "Manuscrito encontrado en una botella". Pero la larga enfermedad de su esposa, víctima de la tuberculosis, le sumió en una gran depresión, y poemas como "El cuervo" (1845) reflejan su melancolía y su miedo hacia la muerte, aparte de su gran dominio en el ritmo y la sonoridad del verso.

Desde su matrimonio su producción literaria fue intensa y exitosa, pero la muerte de Virginia en 1847 le agravó su tendencia hacia el alcohol y las drogas, que acabaron provocando su muerte 2 años después, el 7 de octubre de 1849.

Su labor como crítico literario ingenioso y sarcástico le otorgó cierta notoriedad, pero para Poe la máxima expresión literaria era la poesía, y a ella dedicó sus mayores esfuerzos. En "Las campanas" (1849) evoca el constante repique de instrumentos metálicos, "El durmiente" (1831) busca crear un estado de somnolencia y "Lenore" (1831) y "Annabel Lee" (1849) son elegías a la muerte de una hermosa joven. Su obra poética muestra la influencia de poetas ingleses como Milton, Keats, Shelley y Coleridge, y su interés romántico por lo oculto y lo diabólico, al estilo del español Gustavo Adolfo Bécquer.

La necesidad económica le hizo abordar el "beneficioso" género de la prosa. La genialidad y la originalidad de Edgar Allan Poe encuentran quizás su mejor expresión en los cuentos que, para él, son la segunda forma literaria.

Con "Los crímenes de la calle Morgue" (1841) se le ha considerado el fundador del género de la novela de misterio y policíaca. Destacan también en este género "El escarabajo de oro" (1843), "El misterio de Marie Rogêt" (1842-1843) y "La carta robada" (1844).

La obra de Poe influyó notablemente en los simbolistas franceses, en especial en Charles Baudelaire, quien lo dio a conocer en Europa. Muchos de sus cuentos se desarrollan en un ambiente gótico y siniestro, plagado de intervenciones sobrenaturales, y en muchos casos preludian la literatura moderna de terror. Buenos ejemplos de ello son "La caída de la casa Usher" (1839), "Los hechos en el caso del señor Valdemar" (1845), "El gato negro" (1843) y la obra de la que trata este artículo.

Fuentes:

ALLAN POE, E. The black cat and other stories. Madrid, Longman, 1991.
http://devilmarquis.deviantart.com/art/THE-MASQUE-OF-THE-RED-DEATH-24057952 el 23. 01. 2008 (19:35)
http://mike-nash.deviantart.com/art/Prospero-70271263 el 23. 01. 2008 (19:40)
http://www.newstd.com.ar/Poe,%20Edgar%20Alan/La%20mascara%20de%20la%20muerte%20roja.pdf el 25. 01. 2008 (14:10)
SANTANDER, H. Poe, la Máscara de la Muerte Roja y su correspondencia con la civilización occidental en http://www.odongarcia.net/print.php?sid=2 el 25. 01. 2008 (14:30)
http://www.arrakis.es/~cris/mascararoja.htm el 25. 01. 2008 (14:35)
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/poe.htm el 25. 01. 2008 (14:37)
http://www.epdlp.com/escritor.php?id=2152 el 25. 01. 2008 (14:42)

La fotografía estereoscópica

2008-01-20T22:36:00.000+01:00

En este texto, se comenta la realidad de la fotografía estereoscópica y discute su concepto partiendo de la base que plantea el artículo Fotografía estereoscópica del año 1891, el cual predice un resurgir de la fotografía estereoscópica por el lanzamiento al mercado de una cámara compacta y manejable que permite realizar ese tipo de fotografías y que se describe en el mismo texto. Podéis descargar el artículo haciendo click en el siguiente link:

http://massmirror.com/17b6c2de8de42be457d7c7afcfc073f3.html

Desde sus comienzos, el ser humano ha tratado de representar el mundo que le rodea, de fijarlo, de detenerlo de alguna forma para poder observarlo una y otra vez. En cada época, las maneras de llevar a cabo esta tarea han cambiado mucho, puesto que éstas se ven condicionadas por cómo se percibe el mundo por parte de las personas. Sin embargo, supeditado el hombre a un entorno tridimensional, todas esas épocas quedan marcadas, indistintamente de la forma que adoptaban sus representaciones, por el hecho de que, desde el principio, el ser humano no se ha conformado con las representaciones sobre un soporte plano, sino que ha buscado la captación del mundo con su volumen.

Al principio, fue la escultura, la que permitía esta labor. Esta forma de expresión ha ido evolucionando de la misma forma que otras paralelas, como la pintura, lo han hecho durante la historia de la humanidad, adoptando los principios que determinaban la idea de mundo compartida por los diferentes miembros de una cultura y de ese tiempo. A partir del Renacimiento, los valores que se implantaron para la representación del entorno fueron el antropocentrismo y el realismo, es decir, toda forma de plasmar el mundo debía ser antropométrica.
Ese hecho estableció una línea clara de evolución para las disciplinas expresivas que, en busca de la antropometría absoluta, desembocó en la invención de una serie de artilugios que, hasta ahora, cumplen con ese principio de la mejor manera posible. La representación en imágenes tuvo que reconfigurarse con la aparición de la fotografía, pues la pintura con el mero objetivo de alcanzar el máximo realismo ya no tenía sentido, porque esta nueva forma de expresión conseguía resultados inalcanzables por la pintura con un simple clic de un botón.

Sin embargo, aunque la fotografía se ganó la fama de ser la huella de lo real sobre un soporte desde su nacimiento, otros demostraron que todavía le faltaba algo. Con el surgimiento de la imagen en movimiento, se le añadía a la fotografía una cualidad que casi hacía impensable una forma mejor de representar el mundo de forma realista.

Hasta ahora hablábamos del desarrollo que permitió a las imágenes alcanzar el escalón más próximo a la cota inalcanzable de la percepción antropométrica. Pero, ¿qué fue de la escultura?, ¿evolucionó igual? Es aquí donde surgen las dudas.

De forma casi paralela a la invención de la fotografía, surge la fotografía estereoscópica. La fotografía estereoscópica utiliza casi la misma tecnología que la fotografía normal. Lo único que las diferencia es el hecho de que la primera se basa en la visión binocular, aspecto que permite la representación del mundo en sus tres dimensiones y con volumen.

Los estudios sobre la capacidad del ser humano de captar las tres dimensiones a través de la vista se remontan hasta la época de Euclides y Aristóteles. Leonardo Da Vinci, Durero y Descartes también mostraron interés por este fenómeno en su tiempo, pero, parece ser, que el primero que demostró que vemos de manera estéreo fue Sir Charles Wheatstone con la construcción del primer estereoscopio para la visión de dibujos en 3D en 1838. Once años más tarde, Sir David Brewster, creó la primera cámara fotográfica estereoscópica que permitía tomar fotografías 3D para luego visualizarlas con el visor que también él diseñó. Este tipo de fotografías se obtiene a partir de dos imágenes yuxtapuestas hechas con una cámara de 2 objetivos separados por una determinada distancia y sobre el mismo negativo.
Este tipo de forma de expresión se recibió como un paso agigantado hacia el registro de la realidad tal cual. En el artículo Fotografía estereoscópica, que estamos tratando, lo expresa claramente cuando dice: “… paisajes, grupos, retratos, etc., (…) por muy perfectas que sean estas vistas, les falta algo; y ese algo es la vida, la fiel representación de la naturaleza: calidad que sólo posee el estereoscopio”, “[Con el estereoscopio] las figuras se destacan del fondo; la tercera dimensión, la profundidad, se presenta a nuestra vista, ya no es el papel, es la naturaleza lo que vemos”.

A pesar de ello, la penetración de la fotografía estereoscópica en la sociedad ha tenido muchos altibajos desde su nacimiento. Muchos opinan que se debe a lo complicado que resulta el uso de su tecnología, pues sus cámaras son especiales y se necesitan determinados utensilios para después visualizar lo registrado. Incluso en la actualidad, que se ha simplificado mucho el proceso de visualización de éstas, gracias a los avances tecnológicos (sólo son necesarias unas gafas de plástico), sigue siendo más fácil ver una foto normal. Sin embargo, aunque este hecho seguramente influye, no es la razón primordial de la poca penetración del registro estereoscópico.

Durante la década de 1860, la fotografía 3D tuvo sus años dorados. Estaba muy extendida entre la aristocracia y muchos fotógrafos decidieron dedicarse sólo a ella, como por ejemplo los de la London Stereoscopic Company. Después pasó a un segundo plano, el artículo lo achaca a “lo caro y engorrosos de los antiguos aparatos” y augura un resurgir de las fotos estereoscópicas gracias a la cámara que describen en él: compacta, fácil de usar y asequible. Pero la historia ha demostrado que esa cámara no dio el impulso necesario este tipo de expresión.

¿Cuál es entonces la razón? El verdadero motivo de su poca penetración en la sociedad es su carácter ambiguo que antes presentábamos. Nunca ha llegado a desaparecer la representación estereoscópica, ha evolucionado igual que la fotografía, puesto que más tarde surgieron también las películas en tres dimensiones, pero no alcanzó la misma fuerza que la última, porque no sabemos cómo clasificarla. Nos viene a la mente la pregunta: ¿es un medio de comunicación audiovisual? Para ello tendría que cumplir las características de la definición de medio audiovisual, es decir, un medio que hace imagen y que registra maquinalmente el mundo. La segunda característica la cumple, porque utiliza una tecnología básicamente igual que la del cine y la fotografía, para captar el entorno que nos rodea.

Pero, al llegar a la primera característica, nos topamos con problemas para definir si lo que hace son imágenes o no. La definición de imagen, establece que ésta siempre se encontrará sobre un soporte, es decir, sobre dos dimensiones. Por un lado, podemos considerar que las fotos 3D están sobre un soporte, porque son dos imágenes sobre un negativo, pero esas dos imágenes no son lo que vemos realmente, sino su unión en nuestro cerebro que da lugar a la sensación de profundidad y de volumen. Por eso, no está claro que la fotografía estereoscópica sea un medio audiovisual.

Por otro lado podría verse también como la evolución de la escultura hacia el registro maquinal, de modo que el cine estereoscópico sería escultura en movimiento, pero, mientras que la escultura puede verse desde distintos puntos de vista, una película estereoscópica queda restringida al que se eligió durante su registro.

En mi opinión, es esa incertidumbre sobre su clasificación la que ha frenado su extensión en la sociedad. Sin embargo, sigue existiendo y se sigue investigando para mejorar su calidad e intentar que se implemente en más áreas que las meramente científicas, al igual que se hacía en la época en que está escrito el artículo que hemos comentado.

Fuentes:

GOMBRICH, E. H. La historia del arte. China, Debate, 2006.
LÓPEZ MONDÉJAR, P. 150 años de fotografía en España. España, Lunwerg editores, 1999.
ALONSO GARCÍA, L. Apuntes de historia de los medios URJC. 2007/2008
Fotografía estereoscópica en La Revista Fotográfica Barcelona, Galaxia, Noviembre de 1891
http://www.users.red3i.es/~stereoweb/index.htm el 19. 01. 2008 (14:09)
http://www2.ubu.es/expgraf/expgraarq/simonneau/estereoscopia/index.htmel 19. 01. 2008 (15:15)
http://www.dresden3d.com/en/index.phpel 19. 01. 2008 (15:21)
http://www.cine3d.com/el 19. 01. 2008 (15:45)

Central Park West (Woody Allen, 2006)

2008-01-19T23:39:00.001+01:00

En Adulterios, la última producción dramática del famoso cineasta, actor, escritor y guionista neoyorquino Woody Allen, encontramos "tres comedias de un acto", que narran los amores y desamores, matrimonios e infidelidades de varias parejas de clase media.

El libro se compone de tres obras de teatro, situadas en diferentes zonas de la ciudad natal del autor: Riverside Drive, Old Saybrook y Central Park West. La primera es una conversación entre un escritor y un mendigo que acabará sonsacándole sus aventuras extramaritales. Podéis descargar un fragmento de esta obra pinchando aquí. La segunda transcurre alrededor de una barbacoa, donde las diferentes parejas sacarán sus secretos a relucir. Y Central Park West, que detallaremos más minuciosamente a continuación, empieza cuando una prestigiosa psiquiatra llama a su amiga para contarle que su marido la va a abandonar.

Todas siguen el mismo estilo, e incluso los personajes tienen entre sí bastantes cosas en común. Las situaciones son llevadas al extremo, cual tragicomedia, sacando lo cómico de lo dramático. Una mezcla de ingenio y acidez, humor característico de Woody Allen, que consigue hacernos reír de la propia ridiculez humana. Sus personajes, considerando que todo el mundo tiene un ápice de locura, se pueden hasta considerar normales. En su ingenuidad, ocultan (ocultamos) secretos creyendo tenerlo todo bajo control, pero a la hora de enfrentarse a realidades inesperadas por su razón, se ven obligados a confesarse en los momentos más inoportunos. A todo esto se le une un gran contenido emocional y social, que permite al espectador (o lector) identificar los valores y adentrarse en el contenido de la obra.

Central Park West

(Comienzo del spoiler o revientargumentos)
Nos encontramos en un piso, que a la vez hace de consulta, de una importante psicoanalista, la doctora Phyllis Riggs. Carol, una amiga, acude rápidamente a él tras recibir un mensaje de emergencia de Phyllis. Tras un rato de conversación, la psicoanalista le cuenta a Carol por qué quería que fuera a su casa: su marido Sam la ha abandonado y se ha ido con otra... Pero es que además ha adivinado quién es esa otra, y ¡es ella, es su querida amiga Carol! La amiga, incrédula, acaba aceptando su culpabilidad y alega que Sam se fijó en ella y se enamoraron, además de que él ya daba por finalizado su matrimonio.

A continuación aparece Howard, el marido de Carol, que padece psicosis maníaco-depresiva (subidas y bajadas de humor) y que, al enterarse del panorama, sufre una de sus habituales crisis. Y más tarde llegará Sam, que trata de mantener la situación bajo control y explicar los hechos.

Por último, la tercera en discordia, Juliet, nos llevará al fin de la obra, con una moraleja a modo de conclusión muy particular.
(Fin del spoiler)

Para una buena interpretación, es conveniente realizar un análisis detallado de los personajes:
Phyllis- Es una mujer de mediana edad (rondando los cuarenta) con una carrera profesional brillante, la envidia de la gente que tiene alrededor. Con humor irónico, afronta los problemas manteniendo siempre a salvo su integridad física y sin mostrar sus debilidades, lo que la hace fuerte frente al resto de personajes. Demuestra seguridad en sí misma y control sobre la situación. Es impulsiva, culta y con mucho carácter.

Carol- No es muy avispada, de hecho, dicen de ella que tiene un "retraso en el aprendizaje". Inocente e ingenua, no parece percatarse de las situaciones. Tiene crisis de identidad y considera que no se ha "encontrado a sí misma". Busca igualarse a otras personas, con una personalidad débil y sumisa. Cansada de su marido Howard, con quien se considera incompatible, acude a Sam, el atractivo marido de su amiga, con quien cree tener un futuro prometedor.

Sam- Personalidad dominante, intenta imponer autoridad aunque no lo consiga del todo. Tiene 55 años, y tras una vida de donjuán quiere asentar la cabeza. No le ha ido bien el trabajo, está estresado y para él es muy importante conseguir resucitar su vida laboral y amorosa. Ha sido infiel varias veces, porque considera que el sexo es fundamental en una relación. Es egoísta y deshonesto.

Howard- Es bastante menos atractivo que su amigo Sam. Está en tratamiento de electrochoque porque sus crisis maníaco-depresivas se agudizan, y tan pronto se encuentra o demasiado feliz o con ganas de suicidarse, en estados de euforia o apatía. Trata de ganarse la vida como escritor, pero ha fracasado y no vende casi ni un libro. A pesar de que su originalidad es escasa, él se considera bueno en su trabajo, y se imagina que es un triunfador. Sensible, nos muestra sus sentimientos: la pena ante la muerte de su padre, el amor hacia Carol o su decepción con Sam.

Juliet- Es una chica atractiva de veintiún años que estudia para ser montadora de cine. Antes era introvertida, estaba confusa, anoréxica y le aterrorizaban los hombres. Phyllis la ayudó a liberarse, y ahora está demasiado despabilada. Quiere vivir la vida y aprovechar a descubrir las cosas que le ofrece el mundo, como el amor. Es una enamoradiza. Pero una situación límite podría hacerla recaer...

Notas sobre el autor

Allen Stewart Konigsberg nació el 1 de diciembre de 1935 en el Bronx (Nueva York). Su madre Nettie era bibliotecaria, y su padre Martin engrapador de joyas. Con sólo 16 años ya apuntaba maneras y decidió cambiarse el nombre por uno más adecuado para un humorista: dejó Allen y añadió Woody porque "poseía una resonancia ligeramente cómica sin resultar descabellada".

Comenzó escribiendo en revistas, como The New Yorker, con la que aún colabora esporádicamente, diarios y en televisión como guionista. Luego se lanzó como humorista y alternó sus funciones en diferentes programas como "What's my line" (1950) y "Caesar's show" (1963) con otros humoristas famosos y libretos de Mel Brooks entre otros.

"Crecí viendo películas. Por entonces vivía en Brooklyn, que está a unos cuarenta y cinco minutos de Manhattan en tren. En mis primeros años, para mí eran más accesibles las películas que el teatro. Entonces no había televisión, de manera que la afición al cine nació pronto y ya desde mi niñez me encantaba ir al cine a ver películas. Estoy hablando de cuando tenía cinco años de edad..., seis, siete, ocho, nueve, diez... Veía películas todo el tiempo, constantemente."

Aparte de sus numerosas funciones en televisión y escenarios, colaboró en la campaña presidencial de Lyndon B. Johnson, y participó en varios anuncios comerciales (para vodka, anteojos, camisas y recientemente para una compañía telefónica) y no comerciales (en 2003 grabó un video publicitario contratado por el gobierno francés para fomentar el turismo en su país después de que las relaciones con Estados Unidos entraran en crisis, y Woody quiso demostrar la ridiculez de ciertos patriotismos exhacerbados).

"En mis inicios estaba más interesado en convertirme en un dramaturgo. Las películas no me interesaban particularmente. En aquellos días, siendo un adolescente, las películas me parecían tontas, y las obras de teatro tenían mucho más peso y caché en Estados Unidos. Los autores de teatro hacían el mejor trabajo, porque los cineastas eran básicamente gente de estudio que en su mayor parte se dedicaban, usted ya sabe, a la producción más comercial, de modo que no estaba demasiado interesado en orientar mi carrera hacia el cine."

Escribió obras teatrales como "Don't drink the water" (1967) y "Central park west" (1995), y libros como "Non being and somethingness" (1978) o "Mere anarchy" (2007). También se convirtió en el personaje de una historieta dibujada por Stuart Hample y Joe Marthen en 1976, "Inside Woody Allen" publicada por 180 periódicos de 60 países.

"Solo empecé a interesarme por el cine tras la escritura de "What's new Pussycat?" Como guionista, estaba obligado a estar en el plató y mirar lo que allí sucedía. Y ésa era la quintesencia de las producciones de Hollywood (casi una sátira en si misma). Con películas de esa clase se asociaba el empleo de todos los recursos detestables que sirven para provocar la risa (o la vergüenza). Cuando se estrenó no pude soportarla. Me sentí profundamente avergonzado y humillado por la experiencia. Juré que nunca más escribiría otro guión para el cine a menos que pudiera dirigir la película. Y fue así como me inicié en el mundo del celuloide."

Su afición por el clarinete viene por su gusto por el jazz de Nueva Orleans, aunque con trece años empezó a tocar el saxo. Actualmente actúa en el Café Carlyle en Madison Ave (calle 76th. de New York) con su banda "The New Orleans Jazz Band" con la que ha realizado varias giras por Europa (Italia, España, Alemania, Mónaco y Francia). En 2008 ha anunciado su debut como director de ópera.

Respecto a su agitada vida amorosa, se casó con su primera novia Harlene Rose (1956-1962) y luego con Louise Lasser (1966-1969). Tuvo relaciones más o menos duraderas con las actrices Diane Keaton y Mia Farrow (con la que tuvo su único hijo biológico en 1987, Seamus, y tomó en adopción otros dos, Moses y Dylan). Actualmente está casado con Soon-Yi Previn (desde 1997), hija adoptiva de Mia y André Previn con la que adoptó dos hijas, Bechet y Manzie.Como él ha declarado, "existen dos cosas importantes en el mundo: una es el sexo y la otra… no me acuerdo".Vive en el 930 de la Quinta Avenida cuando no filma en Europa.

"Ciertamente nunca fui alguien que en su juventud tuviera una cámara. Y hasta la fecha, la tecnología no podría interesarme menos. Por lo que a mí concierne, todos los avances tecnológicos que se han producido en la industria cinematográfica únicamente tienen valor en la medida en que permiten contar una historia con más eficacia. Aunque hoy en día se estrenan muchos filmes que entusiasman a la gente sobre todo por los alardes técnicos y el espectáculo que plantean, tanto así que la técnica acaba convirtiéndose en el contenido principal del filme, y en su objetivo mismo. Me quita todas las ganas. Sencillamente no me interesa."

Fuentes:

ALLEN, W. Adulterios. España, Tusquets, 2006.
http://www.lanacion.cl/prontus_noticias/site/artic/20061204/pags/20061204182847.html el 19. 01. 2008 (12:20)
http://telenekos.files.wordpress.com/2007/08/woody-allen.jpg el 19. 01. 2008 (13:00)
http://www.clarin.com/suplementos/libros/2006/03/10/l-01275609.htm el 19. 01. 2008 (13:07)
http://www.freewebs.com/woodyallenweb/ el 19. 01. 2008 (13:10)
http://www.librerialuces.com/fotos/9788483104798.jpg el 19. 01. 2008 (13:12)

Video arte: imágenes ¿con sentido?

2008-01-12T21:20:00.000+01:00

La pintura, la escultura, el teatro... tardaron siglos en aceptar nuevas maneras de expresión en las que no cuenta tanto la técnica como la idea u otras en las que sólo cuenta la técnica y carecen de idea alguna. Parece que fue la llegada de la fotografía y, más tarde, la de la imagen en movimiento, un método de registro de la realidad insuperablemente fidedigno, lo que impulsó al resto de disciplinas artísticas a despegarse de la representación más o menos fiel del mundo y a partir en busca de formas completamente nuevas, originales e inexploradas. Así, surgió el arte abstracto mientras que el cine y la fotografía tanteaban el realismo como llevaban haciendo el resto de disciplinas desde sus comienzos.

Sin embargo, la propia naturaleza tecnológica del cine y la fotografía, que permite, apretando un botón, la inmortlización de imágenes en un tiempo insignificante, impulsó rapidísimamente la apertura del celuloide a los usos y formas de expresión que, por aquel entonces, habían sido recientemente descubiertas por el resto de artistas. De esta manera, entre los años 60 y 70, surgió el videoarte, una línea de realización de material audiovisual con un objetivo puramente artístico. Podemos reconocer una característica común a todos las obras realizadas desde entonces y es que rompen de lleno con la estructura realista y narrativa que impregnaba todos los contenidos anteriores.

Los videoartistas, cuyos trabajos no hay que confundir con el cine experimental, hacen uso de todos los instrumentos analógicos y digitales de los que disponen, para crear una imagen en movimiento, que no tiene como objetivo plasmar la realidad o crear un mundo fantástico que parezca real, sino ser concebidas artísticamente y transmitir armonía entre sus partes y, en algunos casos, un significado implícito. La definición que da Rosa Díaz García en El videoarte en el País Vasco de videoarte es la siguiente:
"Se entiende por Videoarte toda aquella obra en la que total o parcialmente se da la utilización de la tecnología vídeo, bien sea en formato electromagnético o digital, y donde la creación audiovisual presenta una intencionalidad claramente artística. Entendiendo por intención artística toda aquella que añade un contenido experimental, formal, poético, filosófico, etc extra a la creación audiovisual en si, mediante la utilización de unos recursos técnicos, narrativos, estéticos, conceptuales, etc. y no meramente comunicativo, informativo.Se podría hablar también de Videocreación o Creación Audiovisual, sin intentar entrar en controversia, simplemente por subrayar su creatividad o por que se dirige principalmente a los dos sentidos de la vista y del oído, pero subrayando que siempre tiene por parte del autor una idea artística que lo sustenta. Al parecer el termino Videoarte, se adoptó poco después de su surgimiento en Alemania,a principios de los sesenta. Aunque al principio simplemente se hablaba de video-tapes, poco después se empezó a hablar de video-esculturas,video-performances o de autorretratos videográficos.Aquí también se habló de Videoarte, adoptándolo del termino Video-Art, pero no convencidamente y se abandonó poco a poco por controvertido y se tendió a ampliarlo al término videocreación o vídeo de creación. Juan Crego por ejemplo afirmaba en un catálogo que creía mas conveniente llamar Video sin más al igual que a la Pintura no se le llama pintura-arte,etc.Posteriormente, numerosos estudios que han revisado la evolución de este medio vuelven a ese término como término genérico mas apropiado".

Las primeras obras de videoarte constaban de un circuito cerrado de televisión en el que la gente podía verse a si misma en varios monitores. Era un hito que una persona de a pie pudiera verse dentro del marco televisivo, por aquellos años reservado para una selecta élite. En la actualidad, el videoarte se ha adaptado a la era digital e incorpora todas las nuevas técnicas que podemos encontrar en cualquier película comercial (infografía, animación, iluminación, cámaras...), pero las tratan de una manera y con un fin completamente distintos, por lo que el resultado es diametralmente opuesto a los contenidos audiovisuales a los que estamos acostumbrados.
El videoarte es la forma de expresión más moderna y puede que cueste comprenderla, pero si nos esforzamos, podemos captar su belleza.

Fuentes:

GOMBRICH, E. H. La historia del arte. China, Debate, 2006.
GARCÍA PRIMO, O. ¿Qué se entiende por videoarte? en http://www.odongarcia.net/print.php?sid=2 el 12. 01. 2008 (22:08)
http://www.mediatecaonline.net/queesvideoart/base_icat.htm el 12. 01. 2008 (22:09)
http://www.masdearte.com/item_movimientos.cfm?noticiaid=3420el 12. 01. 2008 (21:15)
http://www.youtube.com/watch?v=ohcpv3toElEel 12. 01. 2008 (21:16)